Eikonographia

Biacca

2012-01-12T10:09:00.001+01:00

In pittura, da vari anni ormai, come bianco uso la biacca, ovvero l'ossido di piombo 2 Pb CO₃ . Pb (OH)₂(se ho copiato giusto). Pur essendo tossico, è un bianco impareggiabile: coprente o trasparente all'occorrenza, stabile, "cremoso" quanto basta per dare spessore, non opacizza se ben emulsionato, ci si può lavorare ottimamente sia a corpo che a velatura... Una volta provato è difficile rinunciarvi: ormai non riesco più a usare il bianco di zinco, che a lungo andare si mangia il rosso cinabro e ingrigisce l'ocra gialla; uso giusto il bianco titanio (che di per sé non sarebbe indispensabile, se con la biacca si avesse pazienza di dare più mani a distanza di tempo una dall'altra), solo per dare una "spintarella"alla biacca quando devo ottenere bianchi puri e molto coprenti. Il titanio però mi piace solo se usato con parsimonia, perché al contrario crea uno strato opaco, dall'apparenza un po' sabbiosa ed estremamente difficile da sfumare.
Biacca forever, dunque!
L'unico problema - se così si può definire - è che si mescola solo con l'uovo (con l'acqua non si lega) unicamente col macinello su vetro, altrimenti lascia dei grumi che sono davvero poco piacevoli mentre si dipinge. Una volta preparato lo raccolgo in un mortaietto di ceramica e lo tengo umido mescolandolo spesso col pestello; così facendo lo uso anche per più giorni, conservandolo in terrazza, al fresco, coperto da una pellicola.

Puer natus est

2011-12-28T20:12:00.002+01:00

Siamo ancora nell'Ottava di Natale, ecco dunque il presepe che ho finito e consegnato poco prima della festa. Terracotta dipinta, il più "classico" possibile...
Auguri a chi ancora non li avesse ricevuti! A presto!

La stesura della foglia d'oro

2011-12-02T22:54:00.004+01:00

Eccoci al terzo e ultimo post sulla doratura! Spero che fin qui sia chiaro, il più possibile almeno...
Tenendo presente - come scrivevo in uno dei commenti scorsi - che con questo reportage non voglio insegnare, ma solo dare un aiuto per chi già ha un po' di dimestchezza col mestiere, oltre che far vedere in maniera un po' "leggera" ciò che accade nel mio laboratorio :-)

Finita, asciugata e lucidata l'ultima stesura del bolo, subito prima di iniziare passiamo una mano del cosiddetto puzzone (provate a lasciarlo per settimane fuori dal frigo, poi mi direte voi perché si chiama così!) - cioè il solito albume montato a neve, lasciato decantare e poi filtrato - unito ad acqua in proporzione 1 : 3 (uno di albume e tre di acqua), su tutto il bolo. In questo modo la superficie si umidifica, e ciò è estremamente importante per la buona riuscita della doratura.

I materiali: uno straccio pulito, il cuscino e il coltello da doratore, le pennellesse piatte, un pennello morbido di scoiattolo, un batuffolo di cotone, una pezzuola di pelle camoscio, la pietra d'agata (che non compare nella foto, ma più sotto si vede) e il primo guazzo, cioè o due parti d'acqua più una parte di alcol denaturato al 95°, oppure grappa (o vodka) con dentro un po' d'acqua.

Si distende la foglia d'oro sul cuscino (facile a dirsi; ecco una di quelle cose per cui, su ogni ricetta vale l'esperienza!) e con il coltello sgrassato se ne taglia un rettangolo proporzionato al settore di fondo che si vuole coprire.
Riguardo al coltello, così come il bolo è molto importante evitare di toccarlo. Se un po' di unto delle dita resta sulla lama questa può attaccarsi alla foglia d'oro la quale si strappa invece di tagliarsi. A me ogni tanto succede, ed è una cosa assai fastidiosa... In genere però mi basta passare il coltello sullo straccio pulito e già basta perché non appiccichi più.

Si prende poi la pennellessa, la si passa sulla fronte o sul naso (stavolta invece sfruttiamo proprio l'unto della pelle), e la si posa con una certa decisione sul ritaglio di foglia d'oro. Questa resterà attaccata alla pennellessa e ciò ci permetterà di sollevarla senza doverla toccare con le mani - cosa che la distruggerebbe.

Mentre con una mano si regge la pennellessa, con l'altra si intinge il pennello nel guazzo e si bagna il settore in cui andrà messo il ritaglio d'oro. E' importante bagnare una zona più larga della foglia, cosicché anche i margini restino adesi al fondo: infatti, solo dove il bolo è ben bagnato la colla (l'albume) si ravviva e permette alla foglia di aderire. Se mancasse una pennellata, in quel punto la foglia non si attaccherebbe.
Bisogna poi fare anche i conti col bolo che per sua natura assorbe l'acqua in men che non si dica: anche se si passa il guazzo su tutto un settore, se si aspettano due secondi in più o se il pennello non era abbastanza carico la foglia potrebbe trovare sotto di lei una superficie non adeguatamente bagnata e quindi non attaccarsi... Per cui, rapidi!

Tlac! Con un movimento deciso, appena bagnato il nostro settore, vi appoggiamo sopra la pennellessa con la foglia d'oro. Si vede che attorno alla foglia che avevo già applicato c'è una parte di bolo più scura? Ecco, lì si vede bene in che modo bagnare uno spazio più largo della foglia che andremo a mettere. Poi, come dicevo, anche se sembra bagnato, basta aspettare qualche secondo in più e non è più bagnato abbastanza...
Se subito dopo la posa un lembo resta sollevato, può essere molto utile usare un batuffolo di cotone asciutto per schiacciare delicatamente la parte. Meno grinze o pieghe ci sono meglio è, e poi, più l'oro sta vicino al bagnato, più possibilità ha di attaccarsi (certe volte anche se un punto resta asciutto, l'eventuale acqua in eccesso nel punto accanto può muoversi sotto la foglia e attaccare altre parti non adese).

La posa della foglia deve essere fatta dall'alto al basso tenendo la tavola un po' inclinata in modo che eventuali gocce scendano verso la parte non ancora dorata. Ogni ritaglio deve sovrapporsi di un paio di millimetri almeno alla foglia precedente. In genere viene, ma se per caso rimanesse uno spazio rosso di bolo tra una foglia e l'altra, in un secondo momento si può tagliare un pezzettino della misura e amdare a coprire il "buco" rimasto indietro.

Prima foglia finita. E' venuta un orrore! Ma vi spiego il perché (in parte è normale... in parte). Finito di riempire d'oro tutto il fondo si lascia riposare un tempo variabile a seconda della stagione, dalla mezzora all'ora piena, a seconda del caldo e dell'umidità atmosferica. Ad esempio, a Venezia in un giorno di novembre/dicembre è meglio aspettare un po' di più; a Madrid in agosto... sarebbe meglio non dorare, ma se proprio si deve aspetteremo molto meno.
Se ci sono parti da lucidare a specchio con la pietra d'agata come le aureole, il momento è questo: anche se fosse prima della fine della posa di tutte le foglie, è importante non sgarrare il tempo giusto. Cioé, quando è passata la nostra - diciamo, nel caso standard - oretta, anche se il resto del fondo non è finito, lo lasciamo lì e lucidiamo l'aureola.
Io in questo caso ho voluto lucidare a specchio tutto quanto. Forse ho aspettato troppo, per questo l'agata in più punti mi ha graffiato l'oro e ha riportato alla luce il bolo. In più è normale che laddove non avevo bagnato abbastanza sia rimasto un "buco".

Sul Crocifisso invece ho lucidato solo le cornicette: qui è più facile che venga senza graffi perché nei pertugi dati dalle parti tonde l'umidità si conserva meglio. Poi, non dovendo passare l'agata sul fondo che rimane opaco, il tutto si graffia assai meno.
Finita la lucidatura con l'agata, si passa, sempre senza toccare con le dita, il batuffolo di cotone e una pezzuola di pelle di camoscio per togliere gli esuberi d'oro e pulire la superficie.

Seconda foglia! Usiamo il secondo guazzo, cioè o grappa pura (o vodka pura), oppure una parte di acqua con una parte di alcol denaturato 95°.
Stesso lavoro, ma con una differenza, anzi due: la prima è che bagnando l'oro invece che il bolo, non abbiamo più il problema di prima dell'assorbimento, per cui si può usare il pennello molto più scarico. Inoltre si bagna più stretto della foglia che andremo a mettere, il contrario rispetto a prima: adesso, l'acqua rimane tra due superfici metalliche e ci penserà da sola a distribuirsi per capillarità sotto tutta la foglia facendo sì che si attacchi.
Cioè, l'oro è poroso, quindi il bolo continua a partecipare sia in termini di assorbimento dell'acqua sia di azione collante, ma molto meno. Eventuali problemi potremmo averne, se bagnamo poco, nei buchi in cui il bolo è rimasto scoperto. Ecco, lì invece, solo sul buco (o sul graffio) insistiamo un poco di più.

A seconda foglia finita, dopo la lucidatura: molto meglio, vero? Eppure c'è ancora qualcosa che non va: qualche graffio e qualche buchetto ci sono ancora. In più si vedono alcune giunture tra una foglia e l'altra. Ecco che inizia una delle parti che fanno tribolare di più...

I rattoppi! Piccole foglioline tagliate ad hoc, applicate solo sui punti rovinati. Il difficile è se la parte va anche lucidata: arrivati a questo punto i tempi di asciugatura si modificano. Mentre nelle fasi prima con l'esperienza si intuisce quando è il momento giusto per lucidare (troppo bagnato l'oro si opacizza, troppo secco lo si graffia), adesso ogni rattoppo ha un tempo di asciugatura suo personale a seconda della grandezza, e poi, più passa il tempo, più tutto il fondo si asciuga. Tanto che una gocciolina d'acqua in un piccolo punto può essere pronta per ricevere l'agata anche in 10 minuti, 5 minuti... se passa troppo tempo anche 2 minuti!

Dopo aver lucidato, in certi punti possono ricomparirie graffi e macchie. Meno di prima, ma in questo caso ci sono (altre volte, dopo i primi rattoppi avevo finito): evvai con altre pezzuole! Naturalmente il fondo è sempre più secco, quindi aspettiamo sempre meno a lucidare; se poi c'è ancora bisogno di altre pezzuole (speriamo di no), teniamo sempre presente questi tempi molto stretti.
Ma alla fine ci accontentiamo!

Eccoci giunti in fondo al laborioso procedimento. Come avevo anticipato all'inizio, questa doratura non è stata tra le migliori; ma essendo stata quella su cui ho fatto le foto, mi sa che ci tocca accontentarci (di nuovo)! :-)
Come dico sempre, la doratura è un mestiere a sé, per cui imparare a farla bene è una questione di esperienza e di costanza. Io sono ormai anni che faccio dorature - e sono molto migliorato dagli inizi - ma con tre o quattro "campagne di doratura" l'anno ce ne vuole per eguagliare i veri maestri doratori, quelli che con due soli passaggi e quasi senza rattoppi, fanno delle lucidature su cui ci si può specchiare...

D'altro canto sono più che sicuro che il clima della pianura Padana interna sia uno dei peggiori per questo mestiere. Abbiamo un'aria stantia, inquinata e piena di vapori e non c'è quasi mai vento!
Magari è solo una scusa, ma vi porto l'esempio di un mio caro amico che suona la cornamusa irlandese: lui mi dice che per suonare, il suo strumento ha bisogno di un'ancia ricavata da una canna di fiume. In Irlanda, isola dall'umidità costante, perennemente spazzata dal vento, i suonatori usano quest'ancia senza mai cambiarla per anni. In Emilia invece i suonatori sono costretti a cambiarla ogni anno almeno! Perché? A causa della stessa aria stantia di dicevo sopra, che deformale sottili lamelle di legno, le secca e le rompe.
A sostegno di questa mia teoria dico che una signora che conosco (e che quasi certamente mi legge, e quindi saluto), nella sua casa nella bassa fa fatica a dorare; in montagna invece, coi muri spessi e un altro tipo d umidità, fa delle dorature splendide!

Quando tutto è asciutto, sempre senza toccare l'oro, aiutandomi con un panno pulito, rifilo gli esuberi di oro lungo le incisioni del contorno interno e dei bordi; poi stendo a pennello una mano di nitrolacca (vernice per metalli), diluita con un po' di nitro (che servirà poi anche per pulire il pennello).

Infine, dopo un'altra oretta, quando anche la nitrolacca è ben secca e ormai l'oro si può toccare con le mani (ma sempre con delicatezza!), pulisco i bordi col plaka (rimando al link di un mio vecchio post sull'argomento).
Ed ecco le due icone, la Vergine della Tenerezza secondo un modello pisano del XIII secolo,

...e il Crocifisso, anch'esso da modelli tosco-emiliani del XIII secolo.
Da adesso in poi si inizia con la pittura.

Il bolo

2011-11-18T12:34:00.002+01:00

Premetto che quello che vedrete non è un lavoro venuto benissimo e che in genere l'oro mi riesce un po' meglio: ciò è dipeso da alcune licenze che mi sono preso nel seguire la ricetta; faccio sempre così, per un mio innato desiderio di sperimentare...
Comunque sia riporterò la ricetta originale che nonostante tutto può essere illustrata dalle foto fatte in corso d'opera (visto che non rivelano i miei pasticci!).

I materiali.
Il bolo rosso: dicono che il bolo Lefranc sia tra i migliori. Io credo di avere un vesetto proprio di bolo Lefranc, ma non ne sono sicuro perché me l'hanno regalato senza etichetta. Certo è che mi basterà per tutta la vita!
Il bolo giallo: non sarà una gran marca quello che uso, ma fino adesso sono andato avanti abbastanza bene. Tenendo presente che ne ho due vasetti praticamente pieni, anche con questo andrò avanti tutta la vita.
Albume d'uovo montato a neve, lasciato decantare una notte e filtrato dalla schiuma.
Acqua pulita: a Bologna abbiamo un'acqua molto dura. Non ricordo di aver mai avuto problemi, ma l'acqua che ho aggiunto stavolta viene da una sorgente di Tuscania. Avevo riempito una bottiglietta per berla, ma poi l'ho portata a casa piena; per cui ho deciso di tenerla e usarla per questo genere di cose. Aveva un gusto migliore di quella dell'acquedotto di casa mia: chissà, magari anche l'oro apprezza?

Per prima cosa metto in un vasetto un cucchiaino raso di bolo giallo (o un mezzo cucchiaino pieno, naturalmente vado a occhio in queste cose).

Poi aggiungo un cucchiaino raso di bolo rosso.

Due cucchiaini di albume e un cucchiaino e mezzo di acqua.

Ecco lì il tutto, prima ancora di mescolare. Un appunto: cos'è il bolo? E' un impasto di argilla rossa o gialla, ossidi, colle animali e acqua. Una volta l'argilla migliore veniva dall'Armenia, determinando il nome bolo armeno. Inoltre "ce lo si faceva da sé", mentre oggi viene prodotto appostamente in maniera industriale usando argille diverse (anche perché mi dissero una volta che le cave in Armenia sono esaurite da un pezzo, chissà se è vero?). La sua funzione è di creare uno strato morbido ed elastico tra il gesso e la foglia d'oro, in modo che la pietra d'agata possa brunire quest'ultima con più facilità; inoltre, essendo un composto in cui è presente della colla, aiuta la foglia d'oro ad aderire meglio (anche nel gesso c'è della colla che potrebbe fare da collante per l'oro, ma non è la stessa cosa). Infine il colore rosso, "scalda" l'oro che, per quanto possa sembrare strano non è una materia coprente ma partecipa di ciò che ha sotto.

Si mescola, dicevo...

...a lungo, finché non è amalgamato come si deve. E' a questo punto che si filtra con una calza, in modo da togliere eventuali granellini e/o impurità.
Ammetto che io non l'ho fatto, e certamente è stato qui il mio errore. Ovvero: la doratura alla fine è venuta, però con un'opportuna macinatura e filtratura poteva riuscirmi meglio!

Diciamo che il composto che vedete nella foto è il bolo filtrato (facciam finta, va là...). Arrivati a questo punto lo si deve preparare per la stesura mettendone un po' in un altro vasetto (non nello stesso, come ho fatto io): così com'è è ancora troppo denso. Si aggiunge un po' d'acqua (ecco l'acqua di Tuscania!) in modo da ottenere una specie di acquarello. La quantità d'acqua è circa un cucchiaio, poco più. Anche se dalla foto sembra il contrario, non ne ho aggiunta moltissima.

Prima di setenderlo a pennello sulla tavola, ho sgrassato l'intera superficie con un batuffolo di cotone imbevuto di trielina (o meglio, il suo surrogato: la trielina è più che toossica per l'uomo e per l'ambiente e non la fanno più. Anche se pure il surrogato immagino non sia proprio sanissimo... io tengo comunque le finestre aperte mentre la uso, ed elimino velocemente il batuffolo imbevuto).
Basta un passaggio, e poi sarebbe meglio aspettare una mezzoretta, anche se la trielina si asciuga all'istante.
Da adesso in poi è vietato toccare con le dita la zona in cui va il bolo e l'oro: l'unto della pelle può compromettere il lavoro e far sì che in quel punto bolo e oro non si attacchino.

Inizia la stesura tipo acquarello, data con un pennello di scoiattolo abbastanza scarico.

Il Crocifisso, quello con le cornici a stucco dell'ultimo post, e una piccola Vergine col Bambino (che ho tratto da un'icona pisana del XIII secolo).

Alcuni accorgimenti:
1) nelle mani seguenti si può aggiungere ad ogni stesura un po' del bolo filtrato, quello che abbiamo lasciato nel primo vasetto: in questo modo si deposita più materiale e le stesure successive saranno più coprenti.
2) Tra una mano e l'altra sarebbe meglio aspettare almeno 15 minuti. Deve essere completamente asciutto, se no il passaggio seguente rimuove il primo.
3) Quando ogni mano di bolo è asciutta si può strofinare con forza con uno straccio di cotone pulito. Questo crea una prima lucidatura e rimuove sassolini o peli del pennello. Si potrebbe usare anche una carta vetrata finissima, dalla 1000 in su, ma con molta attenzione, soprattutto negli spigoli (come il bordo della culla).
4) Il bolo avanzato si può conservare per altre dorature.

Alla fine di tutto, cioè quando le stesure sono sufficienti a creare un fondo abbastanza coprente senza creare un crostone, diciamo dalle 5 alle 8 mani, a seconda della diluizione del bolo, io passo con vigore il pennello d'istrice. Questo strumento non è indispensabile, in teoria basta lo straccio e la carta vetrata. Tanto più che è uno strumento piuttosto costoso (sui 35 - 40 €)... Però mi trovo molto bene, soprattutto sui fondi grandi. produce un'ennesima lucidatura e, senza consumare gli spigoli come la carta vetrata, toglie peli e sassolini (che comunque chi ha filtrato prima con la calza non dovrebbe avere...).

Ecco la lucidatura di cui parlavo, che si nota con la luce riflessa della finestra. In realtà poteva venirmi anche meglio di così. Colpa mia! Diciamo che ho ottenuto il minimo sindacale. Comunque ho intenzione di brunire tutto il fondo con l'agata, per cui ogni eventuale asperità rimasta verrà appianata successivamente.

Dunque alla prossima, con la stesura della foglia d'oro. A presto (speriamo)!

Prima della doratura: il gesso e i pasticci

2011-10-26T18:31:00.003+02:00

A un mese esatto dal mio ultimo post qui su Eikonographia, eccomi di nuovo a pubblicare! Avevo promesso una serie di spiegazioni sulla doratura, ed è questo ciò di cui vorrei occuparmi. Dividerò il tutto in vari tronconi, così diventa più facile gestire la pubblicazione.
Cominciamo con l'imprimitura quindi. Avevo messo da parte queste foto da prima dell'estate, ma era troppo caldo all'epoca per proseguire con l'oro...

Ecco un paio dei miei "pasticci" andati a buon fine (che, a differenza degli altri venuti male, mostro volentieri!). Il primo lo vedete qui sopra: si tratta di una stesura di cornici tirate a pennello - o con una specie di sininga da pasticcere che ho ottenuto forando il dito di un guanto in lattice - usando lo stesso gesso dell'imprimitura. Devo ancora perfezionare il modo di stesura, ma è un effetto che mi piace: una volta dorato rende molto, soprattutto le palline alle estremità dei bracci.

L'altro pasticcio riuscito, è l'aggiungere all'imprimitura un po' di pigmenti a piacere per ottenere un fondo lievemente colorato. Dunque, alla colla di coniglio diluita in acqua al 10 %, (diciamo 1000 g di colla), io aggiungo un 80 % di gesso di Bologna (800 g) e un 20 % di gesso di Meudon (200 g), più un po' di litopone a piacere (magari un 100 g). A tutto questo, mi è capitato di aggiungere un cucchiaio di terra verde e mezzo cucchiaio di ocra gialla, in modo da avere un verdino delicato che sostituisce il substrato (il russo podkladka), oppure, come in questo caso, un po' di ocra rossa, terra verde e ocra gialla, per avere un tono rosa caldo.

In questa foto si vedono due tavole di multistrato che sto gessando: ancora bagnate tendevano al bianco, il colore era appena accennato. La sorpresa è venuta quando ho lucidato la superfcie con la pietra pomice. Si nota che nella tavola appoggiata contro la parete il gesso è di un rosa più calcato? Non ho capito se è normale che il colore si accenda così in questa fase oppure se è stato solo in questo caso... vi saprò dire se farò altri esperimenti del genere!

Dopo la stesura delle cornici il difficile è lucidarle e renderle pari. Confesso che non sono ancora riuscito a trovare un modo convincente, però con il bisturi, col dito bagnato nell'acqua e infine con la carta vetrata, viene discretamente.

Sarebbe meglio però non fare queste cornici troppo alte rispetto al piano su cui poggiano, tanto all'oro basta un minimo spessore per restituire un buon colpo d'occhio.

Finito di lavorare col gesso passo ad incidere col bulino le parti del disegno (solo quelle!) che confineranno con l'oro. Per certe parti dritte molto lunghe mi sono aiutato con una riga.

In controluce le irregolarità delle cornici si notano ancora. Diciamo così: questa volta avrò un oro con molti riflessi e sfaccettature... vale come scusa? :-))

Beh, scherzi a parte, posso dire che a doratura finita le irregolarità non disturbano poi così tanto. Se poi ci mettiamo che il committente sono io siamo a cavallo!

Nessuno si preoccupi invece per le parti opache che si vedono accanto alle cornici: è dove sono passato col dito bagnato. E' normale che sia così, non si vedrà più nulla una volta messo il bolo e l'oro... che saranno la prossima volta. A presto!

Ritornato (da un pezzo!) ma...

2011-09-26T11:14:00.000+02:00

Salve a tutti! Scrivo due righe semplici semplici, per ora, giusto per salutare chi mi segue. Non mi sono perso! Settembre è ormai in chiusura e visto che avevo scritto "arrivederci a settembre", mi sembrava carino farmi sentire prima che finisse.
In queste settimane ho lavorato... sto lavorando a cose diverse dalle icone, che comunque sono lì che mi aspettano (ho ancora in sospeso la doratura e il clima comincia ad essere quello giusto). Al momento sono alle prese con una mostra collettiva che mi sta tenendo impegnato su vari fronti, ma ogni tanto riesco a mettere mano a La Piattaforma. Sto facendo il "tradizionale" reportage sul cammino! Aggiungendo poi la Gmg di Madrid ne avrò ancora per un paio di post. Vi invito a darci un'occhiata, se vi va.
Poi dovrei ricominciare a pubblicare qua, più o meno come al solito, salvo inconvenienti tecnici...
Beh, buon lavoro a tutti e a molto presto!

Arrivederci a settembre!

2011-07-14T12:28:00.003+02:00

Chiusa la prima parte del progetto per Capo Verde, terminate alcune cose che avevo in sospeso, giunto che è il grande caldo, mi preparo per un nuovo Cammino di Santiago: sabato partirò alla volta di Como, domenica la passerò in compagnia dei miei amici Stefano e Silvia ad Albese, infine lunedì mattina presto prenderemo il volo da Linate alla volta di Lisbona! Per poco meno di un mese cammineremo sulle strade e i sentieri di Portogallo e Galizia, fino, se Dio vorrà, il 13 agosto a Compostela. Poi il 14 dovrei raggiungere Madrid per "raccattare" in serata, all'aeroporto di Barajas, i ragazzi miei comparrocchiani ed iniziare la tanto attesa Gmg.
Speriamo bene, perché dopo un mese di cammino nel silenzio della campagna lusitana immagino sarà un forte impatto l'arrivo di "orde" vocianti di fanciulli a digiuno sia di vita comunitaria che dei disagi del dormire sul suolo di una palestra...
Ma, dai, a parte questo sono sicuro che andrà tutto bene, anche se l'emozione più grande, per ora, è soprattutto l'attesa del cammino. Oggi ho pure ricevuto una gradita telefonata da Vania, la cantante lirica bulgara dell'Opéra di Parigi, che sarà con noi lungo tutto il tragitto. E' stato bello essere chiamati da Parigi, mentre di sottofondo si sentivano suonare delle campane!

Con tutto questo - è chiaro - il Laboratorio San Giacomo Apostolo resterà chiuso da adesso fino... direi almeno la prima settimana di settembre (quando - tra l'altro - mi dovrò mettere all'opera su uno o due quadri, non subito sulle icone); e di conseguenza anche questo blog resterà fermo. Se capita, date pure un'occhiata all'altro blog, la Piattaforma, dove spero di scrivere di tanto in tanto qualche resoconto. So che lo dico sempre e che a volte manco di pubblicare notizie durante i miei viaggi, ma generlamente dal Cammino, grazie agli internet point, sono sempre riuscito a farlo. Vedremo! :-)

Per questo, innanzitutto chiedo scusa a Fabia: volevo dorare in questi giorni, ma vedendo come questo caldo asciugava i colori sulla tavolozza, ho pensato che era meglio rimandare ad un periodo un po' più fresco. Dorerò a settembre e proverò a pubblicare un puntuale resoconto tecnico.

Infine saluto tutti, sia chi abitualmente commenta sia chi no. Un caro abbraccio e una preghiera!
A presto!

Il restauro dell'icona della Madonna di San Luca

2011-06-22T09:57:00.001+02:00

Qualche giorno fa, su iconecristiane è comparso questo video che relaziona il restauro dell'icona della Madonna di San Luca. E' l'occasione di vederne alcuni particolari in modo molto ravvicinato, dato che di solito la si vede chiusa da una coperta metallica che lascia visibili solo i volti di Maria e del Bambino.

La settimana dopo la visita della Madonna in città, nel santuario sul colle della Guardia era possibile vederla integralmente: io e mio fratello siamo andati, ma restava comunque abbastanza lontano. Ma è stato lo stesso emozionante andarla a trovare! Che bella che è (a dispetto di chi mi dice che ha dei lineamenti sgraziati)...
Spero che l'equipe dei resturatori pubblichi un libro con le belle foto ravvicinate che si vedevano nei pannelli esplicativi al santuario; mi piacerebbe molto riprovare a dipingerla. Le voglio molto bene.

Messa in forma straordinaria ai piedi della Madonna di San Luca

2011-06-10T11:30:00.004+02:00

Durante il tempo in cui la santa immagine della Beata Vergine di San Luca scende dal suo santuario sul colle della Guardia fino alla cattedrale Metropolitana di San Pietro, succedono a grandi linee due cose:

1) piove.
2) Le parrocchie, le istituzioni, le associazioni cattoliche, ecc... ma in generale tutta la città, si riunisce ai suoi piedi per salutarla, per pregare e celebrare la santa Messa. E così ho fatto anch'io lo scorso sabato, insieme ai fedeli che si avvalgono della forma straordinaria del rito romano, partecipando ad una bellissima messa cantata!

Ci sono anch'io nel video, mi si vede anche bene, ma non vi dico dove! :-)

La cornice in terracotta per l'icona di Nossa Senhora

2011-06-03T08:38:00.011+02:00

Eccola qui: una parte del progetto venuta alla luce circa un mese e mezzo fa. L'avevo immaginata già dal primo viaggio a Capo Verde, nel momento stesso in cui avevo deciso di dipingere l'icona di Nossa Senhora de Boa Esperança e di collocarla al centro della parete di fondo della cappella.
Non mi è mai piaciuto vedere le icone appese in chiesa come fossero quadri in un museo, così avevo cominciato ad ideare qualcosa che potesse inquadrare l'icona, la potesse proteggere dalla polvere (a questo servirà uno sportello col vetro) e facesse sì che entrando nella cappella ci fosse un "centro visivo". In effetti tutto l'ambiente non ha un'architettura molto... da chiesa, ma sembra piuttosto un salone, un'aula di ritrovo. Dunque ho cercato il più possibile di immaginare elementi che trasformassero quest'aula in un luogo di culto e, anche secondo gli intendimenti del mio committente, in un luogo di pellegrinaggio.

Inizialmente la cornice doveva essere molto semplice, rivestita di piccole pietre piatte chiare (tipiche dell'isola), oppure di lastrine di terracotta decorata a traforo. Avevo pensato sia a certo artigianato locale, ma anche ad alcuni elementi decorativi bizantini presenti in capitelli o pulvini, ma anche in avori. Ed è stato proprio studiando questi ultimi, insieme all'oreficeria germanica, che ho pensato di elaborare un piccolo "ciclo nel ciclo" che esaltasse Maria Madre della Speranza.
Dunque ho voluto disporre sia alcune scene chiave della vita della Madre di Dio (ponendo l'accento sulla Dormizione/Assunzione e Incoronazione, che completano il ciclo degli affreschi, più incentrato invece sull'Incarnazione), ma anche scene di simbologia biblica che prefigura la Vergine.

Ecco come questo piccolo ciclo in terracotta sarà composto:

In alto, in una fronte triangolare, ho posto l'Incoronazione di Maria fra i cori degli angeli, basandomi sul mosaico di Jacopo Torriti nell'abside di Santa Maria Maggiore a Roma. Ho riportato, a partire da quel mosaico - così come dall'iconografia dell'Incoronazione in generale - due frasi:

Maria Virgo assumpta est ad aethereum thalamum in quo rex regum sedet stellato solio.

(La Vergine Maria entra nella dimora del cielo, dove il re siede su un trono di stelle). - Antifona al Salmo 112 nei vespri dell'Assunta.

Exaltata est Sancta Dei Genitrix super chorus Angelorum, ad coelestia regna.

(La Santa Madre di Dio è stata esaltata al di sopra dei cori degli Angeli, nei regni celesti). - dal Responsorio Ad Laudes.

I capitelli delle due colonnine recano ciascuno due teorie di Angeli (chorus Angelorum), secondo il modello delle teorie di Martiri e Vergini di Sant'Apollinare Nuovo a Ravenna.

Le colonnine, come certe decorazioni bizantine del IX secolo, portano spirali di vegetali, abitate da animali. Ho pensato di mettere il più possibile anche la fauna locale, comprendendo anche le cavallette e le tartarughe!

La fascia inferiore è molto suddivisa: tre metope e sei "triglifi" (cosiddetti, ma impropriamente, perché li ho piegati alle mie esigenze trasformandoli in qualcos'altro). Nel disegno se ne vedono quattro; i due nascosti sono ai lati.
Al centro sta la Dormizione (da un avorio bizantino), ai due lati la Natività e la Visita dei magi. Questo completa, sempre secondo l'abside di Santa Maria Maggiore, il ciclo dell'Incoronazione della Vergine.
Nei "triglifi", da sinistra, ho messo i riferimenti biblici a Maria:

1) la Creazione della donna (non si vede nel disegno).
2) il Paradiso terrestre.
3) l'Arca di Noè.
4) la Scala di Giacobbe.
5) il Roveto ardente.
6) l'Arca dell'alleanza (non si vede nel disegno).

Le parti in terracotta saranno realizzate staccate tra di loro e saranno fatte come delle piastrelle che verranno poi applicate su una struttura di cemento da fare sul muro (dovrò dirigere il lavoro dei muratori locali...). Alcune, le più piccole, spero di poterle modellare già quest'estate a casa mia, cuocerle e poi portarle a Boa Vista nel prossimo viaggio. Le più grosse invece, cioè la fronte triangolare e le due colonnine, conto di realizzarle direttamente in loco.

Un tabernacolo per Boa Vista

2011-05-24T17:42:00.004+02:00

Ecco il progetto finito di quello che il falegname mi dovrebbe realizzare: una piccola casetta con alcune modanature, due colonnine sul davanti coi rispettivi e semplici capitelli, alcune parti aggettanti, altre rientranti. Il tutto sarà chiuso da uno sportellino con il calice e l'ostia in rilievo, e sopra, ad incastro nella struttura ovale che fa da cupoletta, andrà la croce. Removibile, poiché in certi tempi liturgici viene tolta (o velata), ma anche perché sia possibile aprire l'anta che custodisce, subito dietro, l'icona di Nossa Senhora.

Al falegname la chiederò in legno di tiglio, come le tavole delle icone, così da poter gessare e dorare al bolo: l'interno prima di tutto, ma anche la calotta esterna, alcune parti della base e certi punti che vorrei rendere con decorazioni in stucco a rilievo e a incisione, giocando anche sul lucido/opaco - a imitazione di certa oreficeria carolingia e ottoniana; così anche lo sportellino, che con lo stucco dovrebbe acquistare delle decorazioni che sottraggono l'ostia e il calice al minimalismo che si vede nel mio disegno.

Altre parti invece devo pensare se gessarle e poi dipingerle a colori leggeri, oppure (ma la cosa mi garba di più), lasciare il legno a vista, senza mordente ma verniciandolo con l'olio di lino cotto in modo che nel tempo ingiallisca e scurisca; così da creare un contrasto fra la fitta decorazione "barbarica" e il liscio del legno.

La croce invece, pur essendo un'icona fatta come siamo abituati a farle, sempre tramite la doratura, eventualmente con l'argentatura e gli sbalzi ottenuti con lo stucco, dovrebbe diventare simile a... certe coperte di evangelari. Le figure di Gesù, di Maria e San Giovanni ai due lati, dipinte "come al solito" con la tempera all'uovo, dovrebbero spiccare grazie all'opacità della pittura e al fatto di non avere alcuna parte a rilievo.

Mi piacerebbe qua e là attaccare qualche pietra: ho conservato delle agate, dei quarzi, delle ametiste... anche del vetro colorato e delle conchiglie, ma non so se lo farò: non perché diventerebbe pesante (così come l'ho raccontato forse sembra, ma in realtà dovrebbe mantenere semplicità e freschezza perché le decorazioni sono dosate e limitate solo ad alcune parti), ma perché non credo sia così semplice. Forse Teofilo, in De diversis artibus, potrebbe anche illuminarmi al riguardo. Ci dovrò guardare, poi deciderò.

Ma di tutto questo se ne riparlerà probabilmente dopo l'estate... Adesso avanti tutta con il progetto degli affreschi sulle pareti.
Alla prossima!

Benedetto liceo artistico

2011-05-18T18:02:00.004+02:00

Durante queste settimane sto andando avanti con il lavoro per Boa Vista. Finiti i prospetti e le piante della cappella, dei due piani superiori e degli esterni, mi sono concentrato sull'interno, partendo dall'altare e da ciò che sta attorno ad esso. Per prima cosa ho elaborato la cornice entro la quale andrà posta l'icona della Madonna della Buona Speranza: non ho ancora fotografato il disegno, quindi non posso postarlo, ma sono piuttosto soddisfatto... sarà certamente un altro post!
Oggi invece voglio mostrarvi alcuni particolari dei disegni che sto facendo proprio adesso per il tabernacolo, ispirato all'unico tabernacolo dell'isola un po' "degno", quello della chiesa di Rabil:

Benedetto liceo artistico dicevo; già, perché con molto gusto sto rispolverando tutto quello che ho imparato in disegno geometrico e architettura! Senza quegli insegnamenti non avrei potuto lavorare su prospetti, piante e sezioni, né avrei saputo fare cose come le linee che si raccordano, né gli ovali...

...né le assonometrie! Questa (non ancora finita nella foto) è una ortogonale isometrica. Certo, avevo il manuale del liceo, altrimenti ero ancora lì a tentare di ricordare da che parte si iniziava ad impostare gli assi.

Mamma che gusto fare queste cose: è così bello vedere che tramite le coordinate viene fuori pian piano un oggetto tridimensionale.

Certo, anche la fatica: poco fa mi sono accorto di un errore, per fortuna non così tremendo, ma per un attimo ho pensato di aver buttato via un intero pomeriggio! Poi ho risolto, anche se coi sudori freddi.

Disegnando mi vengono alcuni pensieri: oggi con l'autocad e il computer... ha senso un lavoro così? Certo è bello disegnare a mano, dà gusto, come scrivevo più su; poi mettiamoci anche che io non ho programmi del genere e anche se li avessi non saprei usarli, quindi, nel mio caso è più pratico lavorare a mano... Ma non si perde la manualità a far tutto al computer? O anche l'elasticità mentale di farsi tutti i calcoli, di tracciare linee e coordinate; più in generale, di "sapere come si fa" a fare una prospettiva o un'assonometria?
Certamente Brunelleschi, Michelangelo, Borromini disegnavano tutto a mano, ma non disegnava a mano anche Renzo Piano almeno fino a vent'anni fa? Sicuramente è tutto più svelto e più pulito fare al computer, ma... ce n'è davvero bisogno?
Non essendo un architetto (e nemmeno un grafico) mi riservo di continuare così: credo che tutto questo rientri nella stessa ottica dell'iconografia, dove tutto si fa a mano, con materiali scelti, naturali e in maniera lenta, rispettando il tempo che esige ogni operazione.

Discepoli in Emmaus

2011-05-04T09:24:00.005+02:00

Tempo fa avevo mostrato alcune fasi del disegno di questa icona: mi pareva fosse novembre o dicembre... Ebbene, l'icona la finii già in quelle settimane e la portai a Como, come regalo di matrimonio ad una coppia di carissimi amici.
Chi ha letto la Piattaforma li conosce, sono Stefano e Silvia! Li ho conosciuti sul Cammino di Santiago nell'ormai lontano 2007 e in tre anni abbiamo percorso insieme oltre 2000 (sic!) chilometri a piedi; in attesa naturalmente di altri 700 km in Portogallo quest'estate! Sì, di gran lunga di più delle evangeliche sette miglia, abbiamo in programma quest'anno anche il Cammino Portoghese, da Lisbona a Fatima a Santiago. Ultreya!

Corso di iconografia 2011: le foto degli elaborati (non) finiti

2011-04-16T14:33:00.003+02:00

Avevo detto che vi avrei mostrato le foto dei lavori finiti: eccole!
Qui sotto l'elaborato a fondo grigio. Notate in alto a destra la prova di colore: il maestro ci ha fatto stendere prima un substrato giallo, e poi ci ha fatto dare alcune mani molto trasparenti di colore di base grigio (biacca più nero). Di mio non avrei mai messo il giallo sotto, ma l'effetto - se non si esagera facendo tendere il tutto al verde - è quello di scaldare il grigio da sotto. E' un effetto davvero molto bello.

L'elaborato sarebbe finito, se non fosse per alcuni rinforzi all'ombreggiatura e... per alcuni buchetti che mi han fatto certi animali, evidentemente attratti dall'uovo, usato come al solito in modo particolarmente grasso.

Quest'altro è sempre la copia a mano libera di un gruppo di angeli monocromi, ma studiati stavolta in modo da creare una composizione cromaticamente armonica.
Non sono finiti perché mancano gli incarnati, ma il vero esercizio si riferiva alle vesti, quindi il lavoro si può definire concluso. Adesso vedrò se, col tempo, riesco a concludere le parti mancanti.
A presto!

Corso di iconografia 2011 e alcune notizie

2011-04-08T12:41:00.005+02:00

Sono reduce giusto ieri dal corso di aggiornamento di iconografia a Sogliano al Rubicone, con il maestro Stal'nov. Come tutti gli anni è stato abbastanza denso e di certo molto utile. Di solito, di quello che imparo in queste occasioni, "ci vivo" iconograficamente per un anno intero, fino al corso dell'anno seguente! Sarà così anche quest'anno: ho capito molte cose e ho visto dove sono più carente, per cui da adesso in poi il mio impegno sarà migliorare proprio lì.

Non ho fatto molte foto, devo dire, però posso presentare qualcosa in corso d'opera: gli esercizi erano tutti a partire da immagini monocrome di angeli (facenti parte di un'icona del tardo XVI secolo - mi pare - conservata al museo di Kirillov, la Madre di Dio "Roveto Ardente"). L'esercizio era sull'individuare le "forme grandi" che sottostanno alle vesti, partendo quindi dall'anatomia, differenziando poi i punti più luminosi dai meno luminosi, le ombre e le linee di grafia più intense dalle meno intense; il monocromo permetteva di concentrarsi il più possibile sulle forme, lasciando i colori in secondo piano.

Ci siamo esercitati molto anche col disegno a mano libera, a partire dall'idea generale delle forme, ricreando i movimenti, le armonie, il ritmo, in modo da avere prima la padronanza della composizione poi, pian piano, aggiungendo e suddividendo gli spazi interni. Abbiamo lavorato inizialmente con l'ocra gialla, mentre per scurire abbiamo aggiunto man mano terra verde e nero, fino ad avere un disegno il più possibile preciso.

Poi colori di base, schiarimeti, grafie... Mi spiace: ero preso dal lavoro e non mi è venuto da fare altre foto in corso d'opera! Comunque devo ancora fotografare il lavoro finito.

Oltre al corso, ho anticipato nel titolo "alcune notizie": la prima, che volevo postare da un po', è che mi è stato infine pubblicato il fumetto: qui, sperando che almeno un po' vi piaccia... :-)

Poi un pensiero, più che una notizia: il progetto per Capo Verde va avanti, ma non è che posso pubblichare schemi o disegni tecnici. Sia perché sarebbe noioso (per ora si parla di piante e prospetti in scala, senza ancora le immagini iconografiche), sia perché la fase progettuale del ciclo è un po' privata, non mi pare il caso di mostrare tutto; professionalmente intendo... Qualcosa metterò, certo, però più in là; quindi, nel mentre, ho alcune foto di icone e di studi che da tempo avevo in mente di farvi vedere... dal prossimo post.
Un caro saluto a tutti!

Disegni della cappella

2011-03-18T12:30:00.004+01:00

Questi due disegni sono solo alcuni dei molti che sto realizzando in questi giorni a partire dalle misure prese di persona nel mio primo viaggio a Boa Vista, la scorsa estate. Si tratta di prospetti, come in questi casi, ma anche di piante; in programma sono poi delle assonometrie e prospettive. Tutto ciò va leggermente oltre il mio compito, che è quello - ormai è forse chiaro - della decorazione pittorica. Fare questi rilievi mi serve per compilare un progetto il più possibile articolato e gradevole da sfogliare, in modo da poterlo presentare sia al governo capoverdiano (il quale dovrebbe stanziare un finanziamento a partire soprattutto dal ministero della cultura), che a possibili altri finanziatori.

Dai disegni si dovrebbe già capire che la cappella non comprende tutta l'altezza dell'edificio, come si poteva pensare guardando la foto nel post precedente, ma solo il piano terra: l'idea di padre Paulo è quella di creare ai piani superiori una scuola di formazione teologica, per cui, divisi fra primo e secondo piano ci saranno quattro aule, un'aula magna e una biblioteca. Il mio lavoro non riguarderà solo la cappella, ma anche questi ambienti che ho appena citato, sette stanze in tutto, più la facciata.
E la mia idea è quella di procedere con la tecnica dell'affresco, quindi calce, sabbia e carbonatazione (non pittura murale, per intenderci).

Una foto della cappella, com'era l'estate scorsa: oggi è stata imbiancata ed è molto diversa. La prossima volta metterò le foto sia della cappella, sia della facciata come erano l'ultima volta che le ho viste, due mesi fa: una cosa tremendamente diversa dalle mie idee e dai miei progetti, ma... vedrete!

Progetti nella baraccopoli

2011-03-08T12:55:00.008+01:00

E' ora di iniziare a svelare, sempre per gradi, il vero motivo dei miei viaggi a Capo Verde. Se l'ultimo viaggio, come ho potuto mostrare, è servito per dipingere l'icona della Vergine della Buona Speranza, il viaggio precedente era stato per misurare i locali dell'edificio, tuttora in costruzione, che si può vedere nella foto sotto.

Eccola: è la cappella di Nossa Senhora de Boa Esperança, nel centro della baraccopoli chiamata "Barraka". Si tratta di un quartiere sorto ai margini del capoluogo di Boa Vista, Sal Rei, in seguito all'immigrazione di abitanti sia delle altre isole dell'arcipelago (in particolare Santiago), sia dei paesi dell'Africa occidentale (Senegal, Guinea, Nigeria). E' un microcosmo latino di vita pulsante, caotico, sfrenato, a tratti misero e pericoloso, ma anche pieno di gente per bene. E' un mondo a sé, anche rispetto a Sal Rei che appare pigra e distaccata, in continuo divenire. Basti pensare che è nata qualche anno fa come baracche di lamiera, mentre adesso è un cantiere: la gente costuisce la propria casa abitandola, sostituendo alle lamiere i muri di mattoni poco alla volta, quando ha i soldi per comprare i materiali.

Il tutto in una situazione poco chiara di occupazione abusiva del terreno, oppure di vendita di appezzamenti da parte dello stato ma con malsopportazione della giunta comunale - dell'opposto schieramento politico - sperando in condoni, in legalizzazioni oltre che in aiuti...

La situazione è urgente, ma non disperata: basterebbe poco per fare di Barraka un nuovo quartiere mettendo l'asfalto nelle strade, portando la luce e l'acqua oltre le cisterne e i generatori presenti per l'iniziativa dei singoli. Ma molti vedono la baraccopoli come un problema di cui liberarsi nascondendolo, oppure scacciando gli abitanti. Per noi che veniamo da fuori con la nostra esperienza e cultura, portando i nostri progetti, non è poi così difficile vedere cosa si potrebbe fare per rendere il tutto più vivibile e umano: il problema è spesso l'ignoranza e l'incapacità di molti a vedere oltre il proprio naso e il proprio interesse...
Per fortuna padre Paulo (che ha una solida formazione europea, ed è in grado di vedere la situazione dall'esterno, pur essendo lui capoverdiano), sta lavorando per questa gente con innumerevoli progetti: senza di lui, senza la Chiesa, che di fatto soltanto lui rappresenta a Boa Vista, Barraka sarebbe un luogo molto più triste e con davvero poche prospettive d'uscita.
Padre Paulo è un sognatore convinto ed è in grado di vedere cose che ancora non ci sono: l'asilo per i bimbi, il liceo, la casa per le suore, il centro di formazione tecnico/professionale, la scuola di lingue... e poi un museo/centro culturale, la scuola di formazione teologica e la cappella. In tutti questi progetti (ma non solo) lui si sta impegnando con forza da un po' di tempo ormai, spendendo quasi ogni minuto delle sue giornate, lasciandosi prosciugare dall'amore per questa gente e questa terra; e il mio lavoro fa parte di questo suo sogno, che giorno dopo giorno, mattone dopo mattone vede la luce in una collaborazione sempre più stretta.

Ora qui a casa sto studiando, progettando e disegnando per quel che riguarda la cappella; in più tengo in serbo alcune delle idee che sono venute fuori in questo periodo parlando con padre Paulo e, appena possibile, inizierò a lavorare anche su quelle.

Nossa Senhora de Boa Esperança

2011-03-01T20:24:00.004+01:00

Sono tornato alla fine della scorsa settimana da Roma (con un bel raffreddore i cui estremi ancora mi stanno accompagnando) e finalmente ho recuperato le foto fatte con la fotocamera della mia amica. Ecco dunque l'icona finita, anche se non verniciata!
Già, perché al prossimo viaggio - che sarà al più presto in giugno, al più tardi in ottobre - dovrò scendere con l'olifa e "ungere" la pittura che nel frattempo ha vari mesi per asciugarsi.

Qualche immagine delle fasi pittoriche (sul tavolo da pranzo della canonica dove ero ospitato):

I primi colori di base, qui appena iniziati...

...qui già un po' più avanti.

Una foto un po' scura, controluce, a colori di base finiti e con le prove di schiarimento già fatte. Qui sto per riprendere le grafie, le ombreggiature e fare le luci.

Ogni giorno, dopo il lavoro, riportavo la tavola in camera e me la guardavo per un po' per vedere gli eventuali errori. Il problema è stato che in casa c'era una luce un po' attenuata, che non mi consentiva di vedere bene il lavoro; me ne sono accorto tardi, perché non sembrava, almeno in sala da pranzo, ma almeno me ne sono accorto in tempo.

Mentre lavoravo ho provato a dipingere la stessa immagine in piccolo su un quadernino.

Ed ecco l'ultima foto che ho scattato all'icona prima che mi rubassero la macchina... Pazienza per le fasi intermedie degli incarnati; almeno ho potuto fare dopo la foto all'icona finita.

E' quasi finito il tempo della suspance perché, finita l'icona, inizia l'altra parte del lavoro. Il bello è che da qualche giorno, una settimana circa, ho anche finito il fumetto che dovrà a breve esser pubblicato sul portale del Comune di Bologna flashfumetto.it (appena esce non mancherò di farlo sapere!). Per cui da adesso in avanti questo lavoro prenderà la parte principale delle mie giornate. Posso anticipare che si tratta di un certo progetto... :-)
Alla prossima!

Recuperando

2011-02-18T17:53:00.006+01:00

Come avevo accennato, contrattando col ladro, ho potuto riavere la scheda di memoria della fotocamera digitale. Posso dunque recuperare proponendo qualche immagine del mio lavoro dal disegno alla doratura.

Ormai è chiaro, l'icona che sono andato a dipingere a Boa Vista è una Vergine: la scelta del modello è stata piuttosto libera, anche perché non ho avuto una richiesta precisa. Dovevo dipingere "semplicemente" l'immagine della Nostra Signora della Buona Speranza, senza un riferimento né un'idea. Mi sono dunque affidato alla Provvidenza e ho scelto come modello un'icona della Vergine Pimenovskaja.

La storia di questa scelta è molto particolare: poco prima del mio primo viaggio a Capo Verde - tra giugno e luglio scorsi, già in mano il biglietto aereo con partenza da Francoforte sul Meno - esce sul sito iconecristiane.it il link dell'Ikonen Museum der Stadt Frankfurt, (in tedesco). Capita a fagiolo: siccome devo passare due notti a Francoforte per motivi di coincidenze dei voli, decido di inserire il museo nel mio tour. Apro una parentesi per dire che Francoforte non mi è piaciuta un granché, sarà stato anche perché mi sono trovato ad alloggiare in un ostello nel bel mezzo del quariere a luci rosse (non che l'ostello fosse a luci rosse, ma appena lì fuori era un incredibile susseguirsi di night club e sexy shop...), e questa cosa deve aver condizionato un po' la prima immagine che mi sono fatto della città. Poi, a parte questo, mi sono sentito un po' spaesato, da solo, fra i grattacieli e i pochissimi monumenti storici.
Però la visita al piccolo museo è stata molto simpatica. Ho chiesto e mi han detto che si poteva fotografare, così ho preso alla bell'e meglio un po' di foto qua e là, tenendo presente i riflessi sulle vetrine e la poca luce. Tra le altre foto scatto questa, tutta storta e sgranata:

Confesso che appena ho visto quest'icona ho subito pensato a lei come modello per quella di Boa Vista, ma tant'è. Tre giorni dopo (sto sempre parlando della scorsa estate) ero al lavoro sul progetto di cui l'icona della Madonna della Buona Speranza fa parte; volevo già in quel momento elaborare il disegno della Vergine ma non avendo altri modelli, mi sono trovato a guardare questa foto direttamente dalla fotocamera.

Certo, una volta a casa ho riguardato il disegno, l'ho sistemato, ho modificato alcuni particolari, ma l'immagine di riferimento è rimasta la Pimenovskaja di Francoforte. Si tratta di un'Odighitria ma che avvicina molto il suo volto con quello del Bambino; anche per questo mi aveva subito colpito.

Nell'aureola ho invece seguito l'esempio contemporaneo dell'iconografo Giovanni Raffa che, a sua volta riprendendo dalla nostra pittura gotica, ha scritto le parole iniziali dell'Ave Maria.

E così, in Capo Verde, ecco elementi bizantini e russi, uniti con qualcosa di italico oltre che di tedesco.
Alla prossima puntata per le foto delle fasi pittoriche (quelle poche che sono riuscito a scattare)!

Quando i piani falliscono senz'appello

2011-02-07T21:04:00.003+01:00

Avevo cominciato fin dai primi giorni a Capo Verde, con molta voglia e molto zelo, a pubblicare le varie fasi della realizzazione dell'icona: l'idea era di mostrare in "pillole" sia la quotidianità del lavoro che stavo vivendo, sia la realtà dell'intero progetto che mi aveva portato laggiù, e che mi ci riporterà molto presto...
Prima c'è stata un'avvisaglia: domenica 16 gennaio padre Paulo lascia Boa Vista alla volta di Praia, per passare cinque giorni con la madre malata; resto solo con la governante Tuninha che mi prepara colazioni, pranzi e cene (servizio a cui non sono affatto abituato e che mi mette un filino a disagio, svolgendosi tra l'altro sempre in criòlo, la lingua locale), portando avanti la doratura dell'icona. Il padre mi ha lasciato un computer nuovissimo, da lui comprato in Spagna da poco, e la possibilità di connettermi. Neanche a farlo apposta, domenica 16 gennaio sera, lo stesso computer non accetta la password di accesso a windows: panico. La password è corretta, ma il sistema rileva un errore. Chiede, per il ripristino, un disco o un dispositivo flash USB: provo con il mio, ma nulla da fare; suppongo ne serva uno specifico che, immagino, avrà Paulo, ma non posso andare nella sua stanza a frugare. Tuninha poi, chiude pure a chiave la porta della sua stanza, preservandomi da ogni tentazione (e con questa sua premura mi offende pure un poco).
Passo quindi una settimana da solo, con una governante che parla solo criòlo e senza computer; è stata dura, devo proprio dirlo per un Nerd come me. Vado avanti con la doratura e poi coi colori di base, volontariamente senza strafare, eccetto i tempi richiesti dal lavoro stesso. Nel tempo libero sono in spiaggia a fare lunghe camminate per cogliere un po' di raggi del sole, per godere dei 28 gradi a gennaio, per prendere un po' d'aria, per riflettere. La sera invece leggo "Il bar sotto il mare" di Stefano Benni, e termino il saggio di mons. Nicola Bux: "Come andare a messa e non perdere la fede", di assai piacevole lettura per un dilettante neofita di liturgia e teologia.
Padre Paulo torna a Boa Vista la tarda mattinata di venerdì 21 gennaio, e io, seppur un poco nel panico per dovergli riferire del suo computer nuovo che dà errore, già mi figuro il titolo del mio prossimo post: "La mia prima doratura tropicale".
Ma non sapevo, non potevo immaginare!
Chi legge i commenti l'ha certamente già visto; a chi non li legge lo dico adesso: lo stesso tardo pomeriggio di quel venerdì 21 gennaio, un delinquente locale mi assale con una bottiglia rotta gridando: "Give me money! Give me money!" (mi ha rapinato in inglese!). Nella mia tasca, oltre l'orologio che mi ero tolto per non lasciare il segno dell'abbronzatura sul polso, non c'erano "money", ma la fotocamera digitale. Io ho insistito, l'ho implorato che mi serviva: ma naturalmente non c'è stato verso, anche se sono riuscito a farmi ridare la scheda di memoria con le foto fatte fin lì.

Con la ridicola denuncia della mattina dopo mi sono iniziato a mettere il cuore in pace e a consolarmi della scheda di memoria che ho potuto riavere. Ma soprattutto, fin dal primo momento ancora sulla spiaggia, appena dopo il fattaccio, mentre mi lavavo la faccia dal sangue del mio labbro rotto da un suo pugno, ho ringraziato il Cielo di essere ancora tutto intero!

Ebbene, continuando a ringraziare di questo, ma ancora amareggiato dalla perdita, sono costretto ad avvertire tutti voi che i miei piani di documentazione sono momentaneamente falliti per quel che riguarda questa sede, il blog, almeno finché non mi procurerò una nuova macchina fotografica (spesa non prevista che spero di poter fare presto, ma che al momento mi risulta abbastanza difficile).
Proverò comunque a scrivere senza mettere immagini e ad arrangiarmi in qualche modo... Grazie a tutti per la comprensione e... rimandiamo ad un momento più favorevole la fine della suspance! :-)

Lucidatura e disegno

2011-01-14T11:41:00.004+01:00

Ieri ho iniziato la giornata lucidando la tavola con la pietra pomice (che mi sono portato da casa), nel ventilato patio della casa parrocchiale: cosa non proprio ideale, vista la polvere che si appiccicava alla superficie bagnata del gesso... ma è andata, sia la pomice che la carta vetrata.

Poi ho messo mano al disegno iniziando a riportarlo sulla tavola. Non so perché, ma l'ho dovuto ricalcare tre volte! Non riuscivo a centrarlo come volevo...
Eccolo a sera, non ancora finito...

Poi, alle 17 in punto, ho detto basta. Ho preso e sono andato fuori, verso il mare, dove a luglio scorso andavo sempre a correre e camminare: una lunghissima spiaggia bianca affiancata da dune imponenti e battute dal vento. Che cavalloni che c'erano! Ma che pace, che meraviglia...

Cara Rosella, eh sì, mi piace mantenere la suspance! :-) Preferisco svelare quello che sto facendo a piccoli passi!

Comunque a partire dai prossimi post metterò una massimo due foto: con Explorer faccio una fatica bestia... Ciao, alla prossima!

Arrivato e...

2011-01-13T10:16:00.004+01:00

tutto bene! La tavola è in buone condizioni e inizio tra poco a lavorarci.

Qui potete vedere una parte degli imballi che avvolgevano la tavola. Quando nel post prima ho scritto che rimbalzava, non dicevo per dire!

Ancora non ho visto ne' fatto un granchè, anche perchè ieri ero stanco morto! L'aereo è rimasto fermo a Roma oltre un'ora per un guasto e sono arrivato tardissimo, mi hanno dato il pranzo alle 16 (che in Italia sono le 18), ho disfatto la valgia, e sono andato a messa alla baraccopoli. Poi cena e subito a letto: 22 di qui, mezzanotte italiane, pur faticando a prendere sonno a causa dei bambini che giocavano in piazza e delle macchine che passavano sotto la mia finestra... Il fatto è anche che qui oggi è una festa civile, per cui ieri sera la gente ha fatto un po' tardi.

La cosa che più mi ha colpito è stato lo sbalzo di temperatura: dai 3 gradi a Bologna e 28 qua; con quell'umido marino e quel vento caldo che sanno proprio d'estate. Immaginavo già che la notte sarebbe stata terribile, invece verso le 4 del mattino avevo quasi freddo... in fondo (ma proprio in fondo) è gennaio anche qui.

Bene, ora devo andare al lavoro! Arrivederci a presto!

Un (di) nuovo viaggio

2011-01-11T21:43:00.005+01:00

Domattina presto sarò di nuovo in partenza! E' il mio secondo viaggio a Capo Verde, isola di Boavista. Sono abbastanza emozionato anche se un po' meno della scorsa estate, ma forse sono più carico: in tutti i sensi! Cioè, sono motivato, ma anche letteralmente carico, pieno di cose da portare.
Credo di non aver ancora detto nulla in questa sede a proposito del motivo dei miei viaggi in queste sperdute isolette dell'Atlantico, e se possibile, vorrei mantenere il riserbo (eh, eh... è per la suspance!).
Come al solito cerco di prendere l'impegno a fare qualche post e a pubblicare qualche foto, ma va a finire che non ne ho mai la possibilità... vedrò cosa posso fare.
Per ora lascio solo un indizio, che già permette di capire un po' cosa vado a fare...

Una tavola per un'icona (75 x 55 cm) imballata a dovere per affrontare l'imbarco sulla stiva dell'aereo. C'è tanto pluriball che rimbalza! Eppure temo lo stesso per la sua incolumità.
Il prossimo post - se riuscirò a farlo (altrimenti scriverò un commento) - sarà per dirvi come è arrivata. E anche per farvi sapere come è andata col peso: ho 15 kg di franchigia più 5 di bagaglio a mano: la tavola da sola ne pesa 7, la valigia 10 e il bagaglio a mano 6 abbondanti...

Approfitto anche per salutare tutti quelli che mi seguono, che mi hanno scritto e a cui ho ritardato o mancato completamente la risposta. Mai come in questi mesi sono stato tanto preso da tante cose tutte insieme; e non è ancora finita! Appena tornerò, ai primi di febbraio, ho alcune giornate cruciali per terminare tutti i lavori che ormai mi porto avanti dai mesi estivi, poi spero di rallentare un po' il passo e di documentare un po' di più tutto quello che riguarda il progetto che sta prendendo forma a Boavista (che va ben oltre la tavola che mi accingo a portare).

A prestissimo! :-)

La "Messa in latino"

2010-12-10T12:07:00.008+01:00

Sarà circa un anno che, saltuariamente, partecipo alla messa festiva delle 18 presso la parrocchia di Santa Maria della Pietà, in via San Vitale. Pur essendo un brutto orario e pur essendo a circa 15 - 20 minuti di bicicletta da casa mia, vado là molto volentieri; a dire la verità molto più volentieri che in parrocchia da me dove non sono più tanto contento di andare a causa del compito che lì svolgo da circa 12 anni: suonare la chitarra. E' che non ne posso più delle canzonette, non ne posso più del fatto che il suonare sembri una performance mia e dell'altro chitarrista, non ne posso più del comportamento dell'altro chitarrista che mi fa pesare ogni volta che manco, non ne posso più di non poter pregare perché sono costretto a pensare ai canti (e non mi si venga a ripetere la solfa dell'agostiniano "chi canta prega due volte", perché certo sant'Agostino non aveva in mente un chitarrino che strimpella una canzonetta di musica leggera, ma chi declamava in musica i testi della preghiera); infine non ne posso più di agitarmi prima di ogni messa... perché suonare è una cosa che si fa in presa diretta, mentre io, pittore, non sono fatto per la presa diretta ma per ponderare ogni pennellata...
In due parole, non ne posso più di quella... benedetta... "partecipazione attiva" come la intendono loro, cioè che tutti, come api industriose devono per forza "fare qualcosa". Ma è mai possibile? La vera partecipazione attiva è la consapevolezza dell'assistere nella messa al sacrificio di Cristo sulla croce, che lì si rinnova. Per me stare inginocchiato in preghiera, in una panca né troppo indietro né troppo avanti, senza che nessuno ti chieda "vuoi leggere?" oppure "puoi fare l'offertorio?" o "come canto d'inizio fai il canto tale?", e lasciare che il prete compia il divino sacrificio, offrendo anche la preghiera mia e delle altre persone che sono in chiesa... ecco, questa è la partecipazione attiva.
Se poi uno vuol suonare, o fare qualsiasi altra cosa, che lo faccia pure, ma non fa più per me. Ecco perché sono agli sgoccioli nel suonare in parrocchia da me... l'unica cosa che mi preoccupa un po' è come fare per dirlo al mio parroco...

Ma torniamo alla messa di Santa Maria della Pietà: non vado lì solo perché non devo fare nulla, ma perché è una delle poche messe della città in rito antico (detto Vetus Ordo). Per chi non lo sapesse, si tratta della messa "preconciliare", e balza agli occhi per essere detta in latino con il sacerdote rivolto verso il tabernacolo, o "spalle al popolo", come si usa dire. Questo rito è stato reso di nuovo libero nel 2007 da papa Benedetto XVI con il Motu Proprio "Summorum Pontificum".

Mercoledì, festa dell'Immacolata, essendo stato in viaggio da Como a Bologna la mattina e avendo perso la messa delle 11 in parrocchia (che peccato...!!), ho potuto recarmi ancora una volta alla messa tridentina di Santa Maria della Pietà. Da quando un caro amico me l'ha fatta conoscere non ne ho più potuto fare a meno, e nei lunghi periodi di assenza dovuti a impegni o al dover suonare in parrocchia, ne sento davvero la mancanza. Se poi sono in viaggio, guardo sempre se per caso nelle vicinanze ce ne sia una: che bello è stato la scorsa estate a Treviri, in Germania, poter assistere e - in Germania! - poter capire quello che veniva detto!
L'altro giorno dunque, poco prima della messa, noto che c'è più gente del solito (vista l'ora tarda e la poca conoscenza di questa messa - oltre che una marea di pregiudizi - non ce n'è mai tanta), e anche qualche turista che coglie l'occasione di una messa alle 18 per soddisfare il precetto della festa. Ad un certo punto un signore con la borsa di una macchina fotografica a tracolla e un bambino si avvicinano al mio vicino di posto e gli chiedono, forse stupiti dallo strano modo di apparecchiare l'altare: "ma in che lingua viene detta la messa?"
"In latino" risponde la persona seduta. E il turista: "ma non si capisce niente!"
Allora l'altro gli mostra il messalino con la traduzione a fronte, e il foglio con le parti proprie della festa in latino e in italiano.
Poi, durante la messa, visto che sono seduti dietro di me, sento che anche il bambino dice : "ma non si capisce niente!"

Quello del latino sembra un problema, ma in realtà non lo è affatto: tanti che sanno della mia partecipazione al rito antico, mi dicono: "ma tu non lo sai il latino!". Vero! Ma la frequenza costante a questa messa abitua l'orecchio facendo prima conoscere il suono delle parole, poi le insegna a pronunciare e, poco alla volta, si abitua anche alle traduzioni a fronte. Perché non è che a ogni messa si legge tutta la traduzione delle parti che il prete dice in latino, ma - almeno io faccio così - mi focalizzo e medito su un brano, che la volta dopo sarà un altro, oppure lo stesso... non so, non importa. Poi le letture sono in italiano, e questo non è male, anche se pure di esse si potrebbe leggere la traduzione. Riguardo a questo, sempre pensando dell'estate scorsa in Germania, avrei preferito le letture in latino che in tedesco...
Poi il latino è una lingua sacra non per finta: siamo o no credenti? Non è solo cultura: ogni parte della messa detta in latino ha una sua... come chiamarla?, trascendenza? Ogni testo, non solo per quello che viene detto, ma per il semplice fatto di essere detto in latino, ha come un "profumo" di antico oltre che di santo.

La mente umana non capisce sempre tutto; se penso a quante volte, studiando, mi distraggo e devo rileggere due o tre volte la stessa riga di un testo... credo che l'italiano nella messa sia un modo per darci l'impressione di capire tutto; ma mi chiedo io: quanti ascoltano veramente tutto, parola per parola? Certo, l'italiano dà la possibilità di capire, ma di fatto bisognerebbe entrare nella testa di ciascuna persona per sapere se è veramente così.
E mi chiedo anche: perché perdere la bellezza (la quale non è un optional!) e la sacralità di una lingua carica delle preghiere di secoli e secoli di Santi e Padri della Chiesa se, tra latino e italiano la comprensione effettiva è molto simile?
Io ho presente, essendo formato nell'iconografia bizantina e russa, la bellezza delle liturgie ortodosse completamente espresse nella lingua antica, il greco o il paleoslavo. Perché perdere la bellezza di una Tradizione antichissima ed estremamente viva (e vivificata dallo Spirito), per avere l'illusione della comprensione immediata dei testi?

Avrei altre cose da aggiungere, e le dirò prima o poi. Non sono un esperto di liturgia, parlo molto... "a pelle", però mi piacerebbe far cogliere anche ad altri che la bellezza e la sacralità di quello che ho imparato a conoscere e ad amare in questa messa non sono barriere che ci allontanano da Dio, ma doni grandi attraverso cui Egli si mostra e ci benedice. Latino compreso.

Sancta Familia

2010-11-19T21:14:00.005+01:00

Exsultat gaudio pater Iusti, gaudeat Pater tuus et Mater tua, et exsultet quae genuit te.
(Ps. 83, 2-3) Quam dilecta tabernacula tua, Domine virtutum! concupiscit, et deficit anima mea in atria Domini. Gloria Patri.

Esulti di gioia il padre del Giusto, gioiscano il Padre tuo e la Madre tua, ed esulti colei che ti generò. (Sal 83, 2-3) Quanto amabili, o Signore delle virtù, sono i tuoi tabernacoli! anela e si strugge l'anima mia per la casa del Signore. Gloria al Padre.

Santa Trinità

2010-11-05T12:48:00.009+01:00

Un anno ci ho messo; ma non so perché! L'ho studiata tanto, ho cercato di lavorarci solo quando ero sicuro di ciò che facevo, ponderando ogni pennellata, valutando e studiando le soluzioni da prendere di volta in volta. Poi ci sono anche stati lunghi periodi in cui l'ho lasciata ferma, perché ho preferito farla a riposare, perché sono subentrate altre cose più urgenti da finire, o perché ero via...
Ma ora è consegnata, e questo chiude un po' un ciclo... ora il cavalletto è tristemente vuoto senza i colori vivi dell'icona finita che lì è stata per un bel po' di tempo.

E' chiaro che si riempirà presto, anzi, è già riempito: ma la tavola bianca non ha lo stesso impatto visivo della tavola dipinta davanti alla quale ero solito pregare, visto che rimane accanto al mio letto...

Ho proseguito la mia indagine su Cimabue, che però sento di voler superare, (andando un po' indietro nel tempo e verso sud e verso est nello spazio). Si vede; non ho voluto però rendere gli occhi - come avevo fatto nella Kazanskaija - appiattiti da uno schiarimento su entrambi i lati della pupilla, ma ho preferito rimanere fedele all'icona di Rublev, rispettando il gioco degli sguardi dato da un solo tratto vivo.

Ecco invece la montagna: il modello è un'icona - sempre una Trinità - del museo Andrej Rublev di Mosca. Ho ancora in mente la bellezza di una montagna dipinta dal maestro Stal'nov, in cui la trasparenza delle ombreggiature contrastava in modo sopraffino con la densità e il corpo degli schiarimenti. Non so se sono riuscito a ricreare tale effetto, ma ci ho provato. Di certo la foto non aiuta molto a rendere l'idea!

Infine ecco il particolare dei tre volti un po' più ingranditi.
Certo, sono soddisfatto del risultato ottenuto, ma allo stesso tempo sento che il margine di miglioramento e ancora molto ampio. C'è tanto da lavorare, tanto da studiare... e tanto, tantissimo da pregare; perché più vado avanti, più mi rendo conto che forse ancora faccio fatica a capire cos'è l'icona...

Disegnando i Discepoli in Emmaus

2010-10-31T16:44:00.004+01:00

L'alto giorno ho finito il gesso e il retro di una nuova tavola e tra venerdì e oggi ho iniziato a mettere mano al disegno: voglio rifarmi il più fedelmente possibile (almeno per quel che riguarda le figure di Gesù e dei due discepoli) alla prima delle tre scene dell'episodio evangelico dipinte su una parete della chiesa dell'Annunciazione del monastero di Gracanica, in Kosovo.

Due estati fa sono entrato in quella chiesa: che emozione! Ricordo ancora quel viaggio in cui passai per il Kosovo come uno dei più belli della mia vita; e individuai la scena a cui mi sto riferendo, in alto, su una buia parete: già in quel momento sapevo che l'avrei dipinta prima o poi... avrò modo di spiegare meglio il perché più avanti, a icona finita...

Più che fare calchi da fotografie, quando posso, io preferisco disegnare: è ancora una copia, certo, ma anche un ottimo esercizio, per comprendere i volumi delle parti anatomiche sotto le vesti e per capire le linee armoniche che sottostanno all'immagine.

Poi, quando è il momento, ripasso a china tracciando anche le linee minori, facendo mani, piedi e volti.

Qualche pensiero in libertà

2010-10-22T18:02:00.010+02:00

L'altro giorno, navigando sul web, mi sono imbattuto nel blog di un artista spagnolo, Aristides Artal, dalla ottima mano. Appartiene, mi pare, a quella corrente senza nome che sta attraversando la cultura soprattutto nordeuropea e americana in questi anni e che riprende il disegno classico e la tecnica antica della buona pittura. Alla faccia insomma delle avanguardie e delle transavanguardie, delle arti povere e concettuali, dell'astratto e dell'informe, lontano dai riflettori di quella critica d'arte che si crea da sola i miti della contemporaneità (vedi i vari Cattelan, Paladino, Pistoletto... solo per dire alcuni nomi a caso); dal basso e senza troppi aiuti da parte della cultura ufficiale, molti pittori come Aristides, riprendono in mano il pennello e affrontano la realtà senza distorcerla nelle "interpretazioni personali" a cui un secolo e mezzo di avanguardie ci hanno abituato.
E' forse uno dei cosiddetti "tradizionalismi" tra i tanti di questo inizio XXI secolo: ho detto che è una corrente senza nome, ma in realtà qualcuno l'ha chiamata "pittura colta" o anche "anacronismo", con la solita bizzarra voglia di appioppare un qualche 'ismo a qualunque cosa nuova compaia in arte; probabilmente se ne potrebbero individuare origini e caratteristiche in maniera anche abbastanza scientifica, però, senza star troppo lì a scavare, credo di poter dire che si tratta di una pittura che riprende le tecniche dal XVII al XIX secolo e le applica a soggetti anche moderni. Si avvale moltissimo non solo della copia dal vero ma anche della fotografia, ed è abbastanza impregnata di nostalgia per un'antica e perduta età dell'oro...
Un nome di un certo livello è il crepuscolare Odd Nerdrum; in qualche misura (più legato però al Novecento) anche Lucian Freud. Forse i primordi si possono trovare già nel primo Balthus...

Vabbè.

Per quel che mi riguarda, ammiro tantissimo questa "corrente": se non altro per il suo tentativo di svincolarsi dall'ideologia del modernismo e del progresso, dal sempre di più, dal sempre l'ultimo a dire qualcosa, dal sempre più astruso. E per la tecnica, certo, oltre che per il concetto - non sbagliato secondo me - del riprendere da un passato che è ancora vivo, senza idolatrare la contemporaneità. In fondo facevano così anche i romani o gli artisti del medioevo; nel rinascimento poi era prassi comune rapportarsi alla classicità, studiando, copiando, riprendendo, citando.
Allo stesso tempo però non sono convinto fino in fondo; perché sono un iconografo, e quindi il periodo scelto come paragone per rifarsi nel presente non mi dice poi così tanto. Poi perché se proprio dovessi rifarmi a dei modelli classici, andrei a vedere quelli della classicità greca e romana, come sempre si è fatto nella storia dell'arte (su questo però si può anche discutere).
Ma è soprattutto il concetto di realtà di chi dipinge così che non mi soddisfa appieno: se io copio tale e quale quello che ho davanti, propongo un'immagine "retinica": faccio un po' una fotografia, giocando - come Caravaggio ad esempio - sugli effetti di luce ed ombra, sulla verosomiglianza della materia dipinta. Questa verosomiglianza poi può sì portarmi a partecipare all'evento rappresentato, alla persona o al paesaggio ritratti; la luce, l'atmosferma possono muovere alla commozione o a qualche altro sentimento; oppure, a seconda dei mezzi pittorici messi in campo, può anche portarmi ad una riflessione dell'intelletto, magari una riflessione elevatissima di concetti filosofici o teologici. Ma è un po' come la messa in scena di un atto teatrale: è una finzione che propone tutta una serie di elementi esteriori allo scopo di comunicare un significato. Tale significato - che può avere vari livelli di lettura accessibili a chiunque a seconda del grado di formazione culturale - resta però qualcosa di intellettuale, un pensiero volendo anche svincolato dall'immagine di partenza. Nel caso di arte religiosa [1] questo pensiero è un pensiero edificante, che può portare - come dicevo - dalla "semplice" devozione e dalla pietà cristiana alle alte vette della speculazione teologica. Nel caso invece di un'arte cosiddetta profana, dall'illustrazione di una scena, alla riflessione filosofica sulla realtà esteriore o interiore, oppure sul sogno, sulla fantasia, ecc... Ma ecco che l'immagine a quel punto non è che un optional, incompleto e imperfetto dinnanzi a ciò che l'uomo occidentale riesce a fare meglio: speculare...
Con questo non intendo affermare che l'arte naturalistica - e dunque la pittura colta - sia deprecabile: corrisponde molto bene alla mente razionale occidentale, e le appartiene in toto. Se l'arte contemporanea è "cerebrale", nel senso che straparla e fa straparlare, la pittura (o arte) colta è "speculativa", nel senso che riflette e fa riflettere.

Ora, dicevo che l'icona mostra la realtà nella sua totalità fisica e spirituale: essa è l'arte trasfigurata da Cristo, in virtù della sua morte e risurrezione che ripristina la creazione originaria. Questo, molto meglio di me, lo dice il kontakion del Trionfo dell'Ortodossia:

"Il Verbo indescrivibile del Padre si è fatto descrivibile, incarnandosi in te, Madre di Dio; E avendo ristabilito l'immagine infangata nella sua antica dignità, Egli l'ha unita alla bellezza divina." [...] [2]

Dall'indegnità del peccato alla dignità della nuova creazione; dal solamente umano all'unione con la Bellezza divina, che è Cristo incarnato! Se questo è il motivo per cui l'icona è l'unica arte sacra - cioè l'unica arte che tramite il suo linguaggio simbolico (syn ballein - mettere insieme) riunisce la realtà materiale a quella spirituale in virtù del "restauro" dell'intera creazione attuato grazie alla risurrezione di Cristo, nuovo Adamo - credo che il linguaggio dell'icona possa anche essere arte... "profana" (che a questo punto diventa un termine contradditorio). Dunque, l'iconografo che intraprenda anche la strada dell'artista "mondano" - diciamo così - in quanto cristiano e credente, può avvalersi del medesimo linguaggio simbolico dell'icona, se rimane il presupposto che scopo dell'arte è di mostrare la realtà (quale sia, lo abbiamo visto, quella fisica e spirituale).

Come poi tutto questo pensiero possa tradursi nella pratica non lo so ancora esattamente: è il tema della mia riflessione da tanto, ma non ho mai avuto il coraggio di affrontare "iconograficamente" un tema... mondano. Però sono convinto che la cosa sia fattibile; nel medioevo in fondo era così: ci sono codici in cui in forme iconografiche sono raffigurati episodi storici, scene di vita quotidiana (ad esempio immagini di lezioni universitarie), finanche personaggi contemporanei della vita civile (proprio oggi leggevo di un codice miniato in cui è rappresentato Benedetto Antelami, scultore/architetto operante a Parma e in Emilia). Addirittura le favole mitologiche di Omero hanno caratteri iconografici... ecco, pare strano , ma è interessante notare come anche una favola pagana, raccontata da cristiani, assuma - seppur con tutta probabilità in maniera inconsapevole - le forme della fede che filtra tutte le cose.

In fondo è solo oggi che si vuol fare a tutti i costi della fede un fatto privato, separandola dal contesto della vita di tutti i giorni...

L'Iliade, dal codice "Venetus A" c. 1v, X secolo, Venezia, Biblioteca Marciana.

[1] Non la chiamo arte sacra, perché solo l'icona è vera arte sacra, essendo, al contrario di quella naturalistica, un'arte ontologica in grado di mostrare la totalità della realtà fisica e di quella spirituale, quindi di mostrare la realtà di Cristo e delle persone sante.

[2] L. Uspenskij, La Teologia dell'Icona. Storia e iconografia, 1995, p. 101

A una settimana dal Convegno degli iconografi...

2010-10-04T20:54:00.006+02:00

E' passata già una settimana, e mi sembra tantissimo. Eppure appena tornato a casa (con un sacco di stimoli e di voglia di metter mano alle icone), il lavoro al fumetto mi ha di nuovo assorbito completamente. Sono indietro, troppo indietro, e sono pure un po' stufo: o meglio, diciamolo chiaramente, mi piace un sacco anche fare fumetti, dare forma finalmente a queste storie che continuamente mi passano per la testa e che spesso mi appunto per non dimenticare; ma è dall'estate che vado avanti con questo progetto!
Ormai ho preso l'impegno e ci tengo a portarlo a termine: se Dio vuole ci vorrà poco più di un mese; tra l'altro, rispetto a quando ho cominciato sono diventato molto più veloce e assolutamente più consapevole del mezzo espressivo. Se a fare la prima metà del lavoro ci ho messo tutta l'estate (contando che ho dovuto interrompere molte volte per impegni viaggeschi), adesso so che la seconda metà mi prenderà poco più di trenta giorni.
Non ne posso più perché lavoro come un matto quasi tutti i giorni da molto tempo, da troppo: adesso, ottobre, sto facendo la stessa identica cosa che facevo ad agosto... ed è un po' snervante. Mi impegnerò di nuovo nei fumetti finito questo? Ma certo! Solo che lo farò con tempi moooolto più diluiti, e dedicandomici solo nelle ore di recupero (invece del contrario, come sto facendo ora!).

Detto questo, che vale come scusa per il fatto che sto pubblicando davvero poco (e così sarà finché le mie giornate saranno così piene), provo a dire due parole sul convegno degli iconografi che si è tenuto a Roma dal 24 al 26 settembre scorsi: "Chi ha visto me ha visto il Padre".
Il terzo convegno di questo genere - l'ultimo era stato nel settembre 2001 (era il mio primo anno di Accademia e il mese della mia prima vera esperienza di bottega) - è un po' un evento: c'era una buona parte dei migliori iconografi italiani, oltre a molti allievi di vario livello e amatori. Credo fossimo 120 persone.
E' stato bello, breve ma intenso. Si è svolto secondo la formula di "conferenze" tenute a due alla volta, contemporaneamente in sale diverse. Il contenuto di questi interventi è stato vario, più o meno interessante: alcuni di livello veramente alto, cose che fanno pensare: "mamma mia, quanto sono indietro, quanto ho ancora da studiare!"; altri più mediocri, per non dire di livello quasi elementare... Ci sono state "lezioni" bellissime sul piano teologico-spirituale, altre molto interessanti e complete sul piano della storia dell'arte, infine altre ancora davvero belle per quelli che erano gli aspetti tecnici e pratici dell'iconografia.
In generale ho apprezzato molto quasi tutto.
E' stata finalmente l'occasione di dare un volto ad alcuni nomi che ho sempre visto scritti (alcuni dei quali sono persone che mi leggono... e che saluto!): in particolare alcuni maestri iconografi di vecchia data come Paolo Orlando, (che ha fatto un intervento davvero memorabile!), Fabio Nones (bravo e simpaticissimo) e Giovanni Mezzalira (invero abbastanza imperscrutabile), che finalmente ho potuto vedere dal vivo; non c'è stato però modo di dialogare a tu per tu: da un lato io credo di aver solo da ascoltare da persone dalla pluridecennale esperienza; dall'altro la questione è stata squisitamente pratica: io 23 € per un pranzo o una cena non me la sono proprio sentita di spenderli, con la conseguenza di aver lasciato la sede del convegno appena finito l'orario degli interventi e di non aver mai avuto l'occasione di scambiare due chiacchiere eccetto il tempo tra un intervento e l'altro...

Detto questo, non so se posso azzardare un giudizio. Devo dire che pensandoci bene non so esattamente che dire. Innanzitutto aspetto gli atti per riguardare alcune (molte!) cose che mi sono sfuggite. Hai voglia a prendere appunti per cinque o sei (?) persone che parlano una dopo l'altra per tutta la giornata; e hai voglia pure a riuscire a seguire bene tutti senza perdere il filo del discorso: l'ultimo giorno per esempio, la domenica, ho dovuto lasciare a metà un intervento che si presentava molto interessante - almeno, me ne rendevo conto - ma che non riuscivo a seguire neanche un po'!
Ci sono stati poi interventi che ho seguito benissimo, come quelli di Antonio De Benedictis o di Fabrizio Diomedi, che ho molta voglia di rileggere, anche per di vedere un po' di bibliografia.
Diciamo però che, se l'obiettivo era "informativo", cioè tipo una lezione, ricevuti gli atti dovrei essere più o meno a posto. Ma se invece l'obiettivo era vedersi in faccia, capire chi siamo, come lavoriamo, cosa pensiamo e... cosa (come?) crediamo, beh, allora non è così semplice: certo, la "panoramica" da parte mia l'ho avuta, però non sono sicuro di aver capito se c'è comunione, se i programmi e le aspettative degli iconografi sono grosso modo gli stessi per tutti, se c'è la volontà di intraprendere un cammino insieme. Una cosa che mi è dispiaciuta in questo senso è stata l'assenza della scuola di Seriate, che pare voler vivere una vita propria ed autonoma...

Non so se nelle tavole rotonde il discorso è stato approfondito (le ho mancate tutte, ahimè), ma forse la domanda a cui mi sarebbe piaciuto sentire una risposta è: chi decide chi è un iconografo?
In fondo, oggi, in Italia, noi (?) iconografi "ce la raccontiamo" oppure stiamo davvero avanzando nel servizio a Cristo e alla sua Chiesa? E alla Chiesa - di certo l'unica che può dare una risposta alla domanda qui sopra e immagino anche attuarne la ripsosta - sta davvero a cuore l'iconografia?
Queste e altre domande connesse, possono forse trovare risposta per il momento nello stesso umile lavoro, fatto "con tutto il cuore, con tutta l'anima e con tutta la mente" (Mt 22, 37).

Kazanskaya

2010-08-18T16:24:00.005+02:00

Tutta estate con l'immagine di una fotocamera... non è il massimo per un blog di iconografia!
Dato che in questo periodo ho poco tempo di scrivere nuovi post, almeno che l'immagine che verosimilmente si vedrà a lungo nella pagina principale del blog sia un'icona!

Si tratta di una Kazanskaya, che ho eseguito su una tavoletta di 13 x 17 cm, che proprio in questo momento è appesa davanti a me, accanto al Pantocratore; ha avuto una lunga gestazione, perché è nata senza commissione, quindi non sempre è stato possibile lavorarci. Ho continuato in essa il mio studio dei modelli cimabueschi, applicati ad un'immagine canonica russa.
Credo che il risultato sia molto "cortese", i volumi dilatati e sciolti, la geometria diluita; qualcuno potrebbe dire che mi sono allargato un po' troppo nelle forme. E in effetti al maestro Stal'nov non è piaciuta molto... nonostante non fosse completa quando gliel'ho fatta vedere.
Va bene che sono stato io a scriverla, quindi sono di parte, però non mi trovo d'accordo con lui, per questa volta: certo, ci sono certamente delle parti che potevano venirmi meglio, ma credo che la disapprovazione del maestro fosse più che altro relativa allo "stile" italico e alla piattezza delle forme. Si tratta forse di una certa incomprensione, già dimostrata in qualche occasione nei confronti di alcune scelte degli allievi, data dal suo essere russo.
Credo sia una buona tappa nel mio studio delle forme tradizionali del nostro Duecento, e nell'applicazione di queste alla contemporaneità... Il vero problema è che porto avanti questo studio con molta flemma e con entusiasmo saltuario: un po' a causa di altre cose che faccio, un po' per via del mio "laboratorio" ancora sottosopra; a settembre - ottobre la mia camera diventerà completamente mia, da allora - sono convinto - potrò organizzare meglio il lavoro e lo studio, non dovendo adattare più nulla alle esigenze di mio fratello... (che comunque guadagnerà anche lui una nuova camera singola tutta per lui).

Una nuova fotocamera digitale

2010-06-14T12:26:00.004+02:00

Quella che vedete è la nuova macchina fotografica che ho comprato ormai due sabati fa; le foto dell'ultimo post sono state fatte con questa.
La foto della macchina stessa invece è stata fatta con la vecchia... poverina. La comprai nel 2007 prima del cammino di Santiago e mi ha servito fedelmente per tre intensissimi anni di post e reportages; aveva un grande difetto: la batteria. Da quando l'ho comprata (da un po' dopo in realtà), tempo due foto col flash - o una decina senza - la carica era già esaurita. Colpa mia che avrei dovuto procurarmi subito una batteria nuova, far valere la garanzia, ma... nel bene e nel male io e lei abbiamo "stretto i denti" e siamo andati avanti quasi in simbiosi tutto questo tempo, girando il mondo.
Adesso per la vecchia HP Photosmart R967 è giunto al'ora di andare in pensione ed essere usata solo in caso di necessità attaccata al caricabatterie e solo per fotografie di icone e quadri.
Faccio largo alla nuovissima Sony DSC - W290, che ho già portato con me a Roma la scorsa settimana e mi è piaciuta un sacco: la batteria l'ho ricaricata due sabati fa, appena l'ho comprata e... ancora dura! Mi sembra un sogno! :-)

Ormai la partenza è imminente: lunedì 21 giugno, nel tardo pomeriggio, prendo il volo per Francoforte, e il 23 per Boavista, Capo Verde!
Rispetto alla vecchia macchina, questa ha un'altra particolarità che mi piace molto: se la vecchia scaricava sul computer le foto una per una, questa si collega e si apre come una chiavetta. Dunque probabilmente mi sarà possibile fare post con fotografie anche da Capo Verde (salvo disponibilità di un computer, ma penso proprio di sì), ma anche da un qualunque internet point d'Europa. Già, perché il volo che mi riporta a Francoforte atterra il 14 luglio, ma dopo il rientro a casa sarà molto libero, e per almeno una settimana spero di andare dove mi porta il cuore... (in direzione di casa).
Se l'intervento riguarda l'iconografia lo posterò qui; ma in ogni caso tenete d'occhio anche La Piattaforma, l'altro mio blog che adesso è fermo, ma non lo sarà per sempre!

Stesura dell'asist

2010-06-12T14:58:00.005+02:00

Siamo in tempo di mondiali di calcio, quindi è logico parlare di asist. Non fa una piega, ma... che c'entra con l'iconografia? In realtà nulla, infatti il mio non è un errore di battitura: ho scritto proprio asist, con una sola 's'.
Parlare di assist in iconografia è sia un modo simpatico di fare una battuta sul finire del lavoro (l'asist è una delle ultime cose che si fa prima di aver terminato l'icona, per cui è un po' come il momento che precede il gol), che un lavoro vero e proprio che si fa con l'oro a decalco. La battuta si presta perché, pur scritto asist, tutti noi lo pronunciamo assist... :-)

Asist dunque è quella lumeggiatura d'oro che tramite dei sottili filamenti ricopre certe vesti: simboleggia la luce che riveste certi personaggi. In questo caso dell'Emmanuele, ma può essere anche il Risorto, oppure certe parti di vesti o bordi di queste, elementi liturgici (l'altare della Trinità, vasi sacri...), o certe parti del paesaggio di sfondo (le stelle, i tronchi degli alberi, parti di edifici...). Il discorso della luce, che sia di colore o che sia d'oro (nell'asist o nel fondo) è importantissimo in iconografia.

Ma come si esegue? Anticamente preparavano il suslo, una specie di melassa zuccherosa fatta facendo cuocere birra scura e zucchero in non ricordo che proporzioni... Oggi usiamo una colla vinilica apposita detta missione all'acqua. Il suslo è difficile da usare e ha alcune controindicazioni, specialmente per i pennelli. La missione invece si stende bene, e si lava abbastanza agevolmente con un po' d'acqua tiepida. La vedete rosa perché una volta la coloravamo con della pittura concentrata per tempere murali; oggi invece preferiamo unirla con del bianco di titanio in modo che sia più stabile e anche più visibile.

Due momenti in cui la stendo. Uno sul bordo del maphorion di Maria...

e l'altro sull'interno manica dell'Emmanuele.

Dopo qualche momento si appoggia l'oro a decalco sulla pennellata d'oro...

e si tampona con una gomma pane pulita, in modo che l'oro in eccesso, ossia quello che non si è attaccato alla pennelata di colla, venga tolto. Si picchietta delicatamente fino a che non resta la linea netta e pulita.

Ecco la panoramica da sotto dell'Emmanuele con l'assist finito.

Lavori in corso sulla Trinità

2010-06-04T11:25:00.009+02:00

Prima di tutto "mi compiaccio" (no, non è vero...) di mostrare ancora una volta il "casino" in cui lavoro. A dispetto di quel che sembra vi posso assicurare che è un casino assai ordinato: con i giusti spostamenti e le idee chiare riesco a lavorare ancora abbastanza bene.
Vedete la Trinità sul cavalletto, il computer dietro la lampada, qualche studio iconografico e non, l'icona del Pantocrator (su cui dall'ultimo post non ho messo mano), l'Angolo Rosso, ossia l'icona appesa al muro (una volta era sullo scaffale), i libri e una piccola iconcina di una Vergine col Bambino per un matrimonio che spero di finire per la prossima settimana, o quella dopo, e di pubblicarne una foto.
I giorni passano e la partenza per la mia "vacanza/lavoro" a Capo Verde si avvicina. Non ne avevo parlato??? Eh, eh... sorpresa!!!
Frattanto devo far coincidere un po' tutto quanto, la pittura, la parrocchia e i preparativi per la partenza: sono un po' con l'acqua alla gola ma ne sto venendo fuori.

Eccola, la Trinità su cui sto lavorando, come si presenta allo stato attuale. A parte i volti e i capelli, mancano le rocce, le ali, le decorazioni in oro (dette asist, in russo), l'albero - anche se non sembra visto in questa foto - le scritte, i bordi e tutta una serie di ritocchi finali, vernicette, riprese varie che io chiamo col nome giocondo di "ciappini".

Una foto di un particolare, tra l'altro di una parte dell'icona che non mi soddisfa appieno e su cui ho intenzione di ritornare e aggiustare: il palazzo, cioè la casa di Abramo, che ricollega il soggetto di quest'icona al brano dei tre Angeli in Genesi 18, 1-15.

L'altra volta parlavo dei modelli. Ve ne mostro tre: il primo che ho tenuto sempre sott'occhio è l'icona della Trinità del santo monaco Andrej Rublev. Una vetta irraggiungibile, ineffabilmente ispirata; freschezza, serenità, pace. Quando Pietro disse a Gesù: "Signore, è bello per noi stare qui..." (Mt 17, 4): ecco, questo suscita questa icona. Essa ai nostri giorni è dipinta (scritta) e ridipinta, stampata e incollata, meditata, su di lei si scrivono libri, preghiere... se ne parla tanto, eppure non si può non tacere di fronte a lei.

Anch'io l'ho dipinta almeno due volte, tentando di sondarne il mistero e provando a "raggiungere" ciò che esprime; ma rimane sempre qualcosa che sfugge, che supera la nostra comprensione.
Quando mi hanno chiesto un'icona della Trinità il pensiero è andato subito e inevitabilmente verso di lei; eppure alla fine ho scelto di tentare una strada un po' diversa: ne ho già parlato altrove, ma io credo che negli anni, nei decenni, anche noi occidentali potremmo giungere ad un'iconografia valida, cattolica e ortodossa (nei sensi più pieni di questi termini), che sia pienamente italiana. Un'icona cattolica, come fu fino all'inizio del Basso Medioevo, cioè l'epoca di Giunta Pisano, di Coppo di Marcovaldo e Cimabue.
La Trinità di Rublev resta lì, modello elevato e ineffabile, ma la nostra via è un po' diversa: la Meta resta la stessa, e anche le tappe (i canoni, i dogmi), ma sta a noi percorrere la strada che ci è propria e a cui siamo chiamati. E comunque non saremo noi a dire che le nostre icone sono cattoliche e ortodosse ed espressione della sensibilità "italiana": saranno le generazioni future a dare questo giudizio.

Al momento andiamo per tentativi, e secondo l'ispirazione dei modelli a nostra disposizione. In realtà sono in buona parte ancora russi: questa qui sopra è un'icona della scuola di Pskov, fiammeggiante nei colori e nel modo di stenderli, cioè a macchie trasparenti.

Questa invece è un'icona della scuola di Novgorod, una di quelle a cui ho guardato di più, insieme a Rublev. Novgorod è più "didattica", equilibrata, ponderata; anche razionale, se vogliamo. Ha un ché di fiabesco, ma in realtà è la fiaba russa che ha preso da questo tipo di icone.
Trovo che sia un'icona molto calda, a differenza di Rublev che è fresca. Novgorod ha dunque colto un aspetto che Rublev non ha ritenuto approfondire, e viceversa.
Dal canto mio mi rendo conto che la mia icona stia diventando molto "novgorodiana", proprio per questo tepore che emanano i colori caldi.
Ma non essendo ancora finita è presto per dire a quale scuola somiglia: in fondo il centro dell'icona sono i volti, e nella mia sono ancora completamente da iniziare. Ve li mostro alla prossima? Spero!

Al lavoro...

2010-05-28T21:28:00.004+02:00

Le concitate settimane che precedono la fine dell'anno lavorativo sono come sempre ricche di lavoro e di scadenze. Ormai è da novembre scorso che sono al lavoro su questa Trinità qui sotto, che non è una copia di un modello antico, ma è una mia ricostruzione a partire da vari spunti.

Uno dei modelli che ho guardato è naturalmente Rublev (vedete la piccola foto appoggiata allo schermo del computer, in basso a destra?), ma anche altre icone della Trinità meno conosciute, della scuola di Novgorod e della scuola di Pskov. Potrei anche pubblicarle prima o poi... sono molto belle!
E tra i modelli non ho naturalmente potuto fare a meno di guardare al "caro" Cimabue. Di certo ancora non si vede, visto che la pittura è ad uno stato così incompleto, ma i volti dei tre angeli sono ripresi dalla pala di Santa Trinita (Uffizi) e dalla pala di San Francesco a Pisa (Louvre). Non è la prima icona in cui prendo a modello il nostro italico "primitivo" (che parolaccia!), e non sarà l'ultima; spero di mostrarne qualche altra prima o poi. Intanto accontentatevi di questa.
Ma di quest'icona, oggi già un poco più completa rispetto alla foto, spero di dedicare un post non appena l'avrò terminata.

L'altra tavola su cui lavorando è questa, che riprende il disegno del Cristo del mio Angolo Rosso, che è poi il frontespizio del mio blog... In quella trovo che il volto sia venuto molto bene, così come le mani (è una delle poche icone che possiedo, quella che mi guarda mentre lavoro, quella che guardo durante la preghiera mattutina), ma le vesti e forse anche la silouette dei capelli - da "critico" del mio lavoro - ammetto che proprio... non ci siamo!
Dunque la sto riscrivendo: non certo per sostituirla, ci mancherebbe! Forse lo faccio perché nell'immagine di Cristo cerco sempre di dare il mio meglio (quando la mano, l'occhio, l'attenzione, la concentrazione e lo spirito me lo consentono), e perché non ne posso fare a meno.
Anche quest'icona è partita verso novembre, se non prima, ma non essendo una commissione va avanto molto piano; è vero però che sono un po' stufo di guardare questa testa scura senza volto, quindi l'dea è di concluderla il prima possibile. Qualcuno mi ha chiesto un filmato che mostri le fasi della pittura del volto di Cristo: ebbene, penso che ci proverò con questa icona. Preciso però che non si tratterà della "solita" tecnica della scuola di Mosca, ma di quella degli affreschi serbi (altro mio grande e amato modello); un po' diversa dunque, e mai ancora sperimantata per bene. Se poi vedrò che il video funziona, chissà, magari provo anche con la tecnica della scuola di Mosca!

Dipingere accanto a Gesù

2010-05-21T12:23:00.006+02:00

La settimana scorsa non ho scritto nulla, perché mi sono concesso un viaggetto: Roma e poi Sorrento (con Napoli e Benevento). Beh, a Roma sono andato per incontrare degli amici e parlare con loro di lavoro (e per vedermi la mostra di Caravaggio); a Sorrento sono stato ospite da un'amica suora che ho conosciuto a Sogliano all'ultimo corso di iconografia. E tra un giro e l'altro nella Campania felix, non ho potuto fare a meno di mettere mano alla grande Trinità (tre metri, circa!) che sta dipingendo insieme agli allievi nel fondo della cappella.

L'icona è già in loco, e sostituisce una precedente immagine delle stesse dimensioni e dello stesso soggetto che suor Daniela dipinse anni fa come sua prima icona in maniera del tutto autodidatta (che coraggio!). Ora, dopo vari corsi con Giancarlo, è sorta l'esigenza di riscriverla secondo le tecniche e i colori più corretti. Già da un po' lei e gli allievi del laboratorio "La Trinità" hanno lavorato alle varie parti dell'immagine che pian piano ha preso forma e colore. Il desiderio è quello di finirla (il più possibile!) per il giorno della Trinità di questo 2010, il 30 maggio.

Passando di lì, con grande gioia ho accettato di fare qualcosa anch'io. Sono salito su una scaletta appoggiata a delle panche e, pur dominando dall'alto l'intera cappella...

raggiungevo a malapena i volti. Comunque sono riuscito a lavorare ai capelli dei tre Angeli: non credevo, ma mi ha preso un pomeriggio intero!

E quindi me ne sono stato lì in silenzio, a lavorare per un bel po', letteralmente sospeso "tra cielo e terra". Quelli fisici, nel senso che stavo proprio in alto! ...E quelli spirituali, perché come forse si nota nella prima foto del post, nel muro sotto l'icona, proprio dietro lo sportellino ricavato sulla figura del vitello nella coppa, è presente il Santissimo.

All'incirca all'altezza delle mie ginocchia, presenza costante, discreta, piena, con cui ho avuto a che fare tutto il pomeriggio... Altezza delle ginocchia, certo, ma di fatto cuore a Cuore!

Eccola, la Trinità di Rublev, all'ora del tramonto... Con qualche pennellata in più, ma ancora da terminare: allontanandosi già pare finita, ma c'è ancora tanto lavoro da fare. Io però sono al termine del mio soggiorno.

Saluto il golfo di Napoli dalla finestra della cappella e mi preparo l'indomani a prendere il treno verso casa.

Azzurrite

2010-05-06T16:52:00.006+02:00

In questo periodo sto finendo vari colori che uso abitualmente, per cui mi trovo a doverne macinare un po'.
Uno di questi è l'azzurrite, cioè carbonato basico di rame: 2CuCo3.Cu(OH)2
Ora, una volta ero abbastanza bravo in chimica (al liceo avevo i voti più alti proprio in questa materia, superiori anche a figura e ornato, le due principali materie di disegno!), e mi destreggiavo discretamente con la tavola periodica e gli elementi. Adesso invece questa formula non mi dice più nulla, per cui la lascio ai chimici!

Questa che si può vedere nella foto qui sopra, viene dalla Russia. La comprai circa tre anni fa insieme ad altri colori tramite il maestro Stal'nov, che avendo a che fare coi fornitori riesce ogni tanto a far spedire qualcosa anche qua da noi. I prezzi, pur alti, sono concorrenziali!
Ne comprai parecchia, perché proprio in quell'anno 2007 avevo avuto la richiesta di andare a tenere un corso di iconografia a San Paolo del Brasile; il corso non si fece mai, ed io rimasi con oltre un kg di colori in polveri, con relativa spesa mai rimborsata... Vabbè, poco male: ora ho scorte per mezza vita!

La polvere che arriva nel vasetto è ancora piuttosto grossolana, per cui si impone un'ulteriore macinatura, attività tutto sommato piacevole: in questi giorni di rimbambimento primaverile ci stanno anche volentieri un po' di movimenti meccanici, mentre la testa se ne va per la tangente....

Due cicli iconografici in Romagna 2/2

2010-04-30T11:25:00.011+02:00

Il secondo ciclo di cui provo a dire qualcosa si trova a Rimini, nella Cappella san Benedetto del Seminario Vescovile.

Eccola qua: accogliente, nella sua volta schiacciata, nella ripartizione delle capriate, nella semplicità delle parti; il tappeto, le panche, l'Ambone e l'Altare scolpiti in marmo.
A parte le icone, forse il tutto risulta un po' bianco e anche l'illuminazione mi è sembrato fosse lievemente fredda. Sarà stato il fatto che siamo arrivati lì in gruppo, passando attraverso corridoi e aule ipermoderne, con pavimenti a vetro tipo museo che lasciavano intravedere di sotto le antiche fondamenta della struttura... ma l'impressione di calma e preghiera mi è un po' mancata.

Ma passiamo alle icone. Il ciclo si sviluppa sul tema delle "Vocazioni di Maria": sentendo questa parola "vocazione", o meglio "vocazioni", pensiamo subito al contesto della Cappella, che è quello del Seminario. Esiste sì una "grande scelta" che dà un'impronta fondamentale alla nostra vita, ed esistono tante scelte che ci consentono di rimanere fedeli a quella "grande scelta" iniziale. E' il nostro "sì", come quello di Maria, Madre e modello dei cristiani.

E' l'Annunciazione dunque, la "grande scelta", dove Maria accoglie la proposta di Dio in un atteggiamento di totale obbedienza. Come fu nell'Antico Testamento per Abramo e per Mosè, per tanti profeti, la Vergine aderisce totalmente alla Volontà di Dio.

Quel grande e misterioso evento che si è compiuto nell'intimo del grembo di Maria non può rimanere fermo in se stesso, ha bisogno di essere condiviso. La Vergine si mette in viaggio e nella Visitazione incontra Elisabetta sua cugina. Quotidiano mistero d'amore, l'abbraccio tra le due donne, una anziana e una giovane accomunate dalla gravidanza, rivela la Grazia che non può essere semplicemente contenuta, ma deve essere donata: Elisabetta, piena di Spirito Santo proclama Maria Madre del Signore, che - aiutata a comprendere il progetto di Dio - prorompe in esultanza nel canto del Magnificat.

Nella Natività quella Grazia prorompente, il Signore contenuto nel grembo di Maria - l'Amore fatto carne - muove il mondo intero attorno al punto fisso di quella mangiatoia in cui il Verbo avvolto in fasce si è fatto uomo. Tutto si muove, poveri, re, forze e potenze, compiono azioni, ascoltano, camminano, offrono, parlano... E Lui è lì fermo, indifeso insieme a sua Madre, che dopo le fatiche del parto se ne sta distesa. Ella è parte di quel Mistero che muove il mondo.

Il "sì" di Maria comprende quello del farsi mediatrice presso il Figlio. Nelle Nozze di Cana, descritte nel Vangelo di Giovanni, ella, dopo aver visto che gli sposi avevano finito il vino, lo fa presente a Gesù: "Non è ancora giunta la mia ora", le risponde. E' a questo punto che Maria lascia il suo unico e più grande insegnamento: "Qualsiasi cosa vi dica, fatela".

"Stavano presso la croce di Gesù con sua madre, ..." (Gv 19,25) ci dice il Vangelo di Giovanni; ecco l'Ora di Gesù, quella che alle Nozze di Cana non era ancora giunta. Dalla croce ha inizio una nuova umanità, sgorgata dal costato trafitto; nella Crocifissione, Maria è resa Madre di tutta l'umanità: ecco la sua nuova chiamata, la sua nuova maternità.

Infine la Pentecoste, ultima vocazione che contempliamo in questa Cappella, dove vediamo Maria accogliere con gli apostoli la chiamata alla missione rivolta alla Chiesa di cui lei è Madre e modello.

Un Crocifisso si eleva sospeso sull'altare: Triumphfans visto da di fronte all'altare.

Patiens visto da dietro.

Infine ecco le icone dei Santi, sulla parete in fondo, dietro l'altare: san Gaudenzio Vescovo, patrono di Rimini e san Benedetto, a cui è intitolata la Cappella.

San Giovanni Battista, il Precursore, e san Paolo.

Le icone di questo ciclo sono state realizzate nel laboratorio delle Sorelle del Carmelo di Santa Maria della Vita di Sogliano al Rubicone, da Giancarlo Pellegrini, Suor Vania Spazzoli, Monia Bucci e Francesca Pari, più vari aiuti che si sono avvicendati in momenti diversi. Io non c'entro nulla stavolta (e ammetto che mi dispiace un po' ...), e per questo ciò che posso dire è solo un'impressione superficiale di ciò che ho visto dal vivo in quella mezz'ora di visita, più qualche riflessione fatta in base al libretto/opuscolo di presentazione della Cappella.
Come per il ciclo di Riccione, Mysterium Salutis, non ho nulla da eccepire sulle icone che sono stupende: c'è anzi un miglioramento rispetto a Riccione, nel disegno, nel trattamento dei chiari e degli scuri, negli incarnati.
Anche la gestione del lavoro è stata diversa dal solito: è stata suddivisa per autore fin dalla scelta dei modelli e dalle fasi di disegno, nel senso che ognuno dei quattro iconografi ha lavorato indipendentemente dagli altri sotto la supervisione del "capo cantiere" (Pellegrini); ciascuno era responsabile di una, due o più tavole.
Fino a qualche tempo prima si svolgeva un lavoro di bottega in maniera più organica, cioé il disegno, e in generale l'intera ideazione, erano tutte del maestro, mentre gli aiuti operavano di volta in volta spostandosi da una parte all'altra del ciclo a seconda delle fasi di lavoro. Così anch'io avevo quasi sempre lavorato.
Questo cambiamento deriva dall'organizzazione del lavoro che avemmo in Russia, quando dipingemmo nel 2006 l'iconostasi per il monastero di Novodevicij... ma questa è un'altra storia.
Il nuovo modo di lavoro, secondo una più netta suddivisione dei compiti aiuta certo dal punto di vista... del pagamento (che è parte del lavoro!), ma anche in un'ottica di collaborazioni di "botteghe" diverse. Oltre a Giancarlo Pellegrini, le collaboratrici, man mano che acquistano esperienza si trovano sempre più nel ruolo di "maestre" indipendenti.

Di questo ciclo non mi piace molto il il modo in cui è stato impostato il rapporto immagini-luogo sacro; e devo ammettere che anche le sculture a bassorillievo di Ambone e Altare non mi sono tanto piaciute, perché - pur essendo simbolicamente coerenti con l'intento del ciclo pittorico e con la destinazione dello spazio sacro alla Santa Messa - non sono tecnicamente e stilisticamente affini all'iconografia. Sono opere d'arte di un artista contemporaneo che ha dato forma alla sua ispirazione senza un vero e proprio canone. Oggi, fra le arti, la scultura è forse messa meglio della pittura, ma manca quasi totalmente un discorso analogo all'iconografia che la riguardi...

Per quello che riguarda la cappella in quanto tale (leggo dal libretto/opuscolo): "in tempi in cui era importante sottolineare il ruolo specifico del sacerdote nella liturgia, magari anche in polemica con chi affermava che ciò che faceva il prete lo avrebbe potuto compiere qualsiasi battezzato (polemica con le comunità della Riforma protestante), l'area del presbiterio è stata ben delimitata con balaustre e cancelli, quasi a creare una separazione fra chi svolgeva un ruolo ministeriale e gli altri fedeli.
Il Concilio Vaticano II e la riforma liturgica che ne è seguita, hanno rivalutato il ruolo di tutta l'assemblea come soggetto della celebrazione. Per questo motivo in alcune chiese di nuova edificazione si tende a disporre lo spazio liturgico sottolineando il ruolo di tutta l'assemblea e superando quella divisione navata/presbiterio che la tradizione ci ha consegnato".

In quest'ottica, la cappella di San Benedetto è concepita ponendo l'Altare opposto all'Ambone, faccia a faccia l'uno con l'altro, mentre le panche sono lungo le pareti, così che ci si possa guardare a vicenda mentre si sta seduti, e ci si possa rivolgere ora all'Altare, ora all'Ambone.

Eppure penso che concepire una cappella come un cerchio il cui centro cambia a seconda di ciò che si sta facendo (che sia la lettura del Vangelo o la Consacrazione), e in cui ci si guarda in faccia durante le celebrazioni, non sia proprio... come dire, corretto. Non ci sono neanche gli inginocchiatoi! E inginocchiarsi è il primo passo per riconoscere la grandezza del Mistero...
Non sono d'accordo con il fatto di eliminare il presbiterio, o di rendere tutta la chiesa presbiterio: è vero che il sacerdozio è universale nei battezzati, ma c'è differenza tra questo tipo di sacerdozio e l'Ordine Sacro ricevuto come sacramento. L'assemblea parteciperà anche alla celebrazione, ma essa offre se stessa in sacrificio spirituale tramite il sacerdote che è il vero mediatore tra il cielo e la terra... Come lo è Maria (questo ricordano le Nozze di Cana)!
In effetti il protestantesimo non è finito: e non è che a partire dal Concilio Vaticano II si riconosce che quanto si è fatto per marcare la differenza tra l'Ortodossia cattolica e la riforma protestante non ha più senso; né che la riforma aveva ragione nell'annullare la sacralità dal presbiterio! Sarebbe invece buona cosa non "superare la Tradizione", ma riscoprirla in pienezza e in nuova consapevolezza, professando tutta intera la fede che ci è stata trasmessa dagli Apostoli e dai Padri ai nostri giorni.

E sarebbe bene che le sante immagini trovassero un loro posto come finestre sull'Invisibile - recuperando il perduto senso del sacro - piuttosto che essere appese alle pareti come fossero quadri in un museo.

Due cicli iconografici in Romagna 1/2

2010-04-23T12:08:00.007+02:00

Recentemente, in occasione del corso d'aggiornamento a Sogliano sul Rubicone, ho potuto vedere due cicli iconografici realizzati in questi ultimi anni: il meno recente è il Mysterium Salutis, presso il Punto Giovane di Riccione (anno d'esecuzione 2006 - 2007), a cui anch'io partecipai come aiuto di bottega.
L'altro, nuovissimo (2009), è la Cappella di San Benedetto del Seminario di Rimini, con icone che riguardano le Vocazioni di Maria, di cui parlerò la prossima volta.

Il ciclo Mysterium Salutis (Mistero della salvezza) consta di cinque icone: una pala centrale che presenta la Crocifissione e l'Anastasi, rimanda alla spiritualità del Punto Giovane, ed in particolare al salmo 44, che ne guida il carisma:

"Ascolta Figlia, guarda, porgi l'orecchio, dimentica il tuo popolo e la casa di tuo padre, il Re è innamorato della tua bellezza"

Tale versetto, scritto alla base dell'icona centrale rimanda sia a Maria, presente nel lato destro della composizione (dove stanno l'Annunciazione e la Vergine in trono), che all'Anastasi in cui Cristo prende la mano di Eva (anziché quella di Adamo come da tradizione canonica).

In questo salmo nuziale si parla di un Re e di una "Figlia": il Re è Dio (e a sinistra abbiamo la Trinità e Cristo in Trono); la figlia siamo tutti noi, che "ogni volta ci poniamo in ascolto di Lui esprimiamo quella Bellezza in cui i suoi occhi si compiacciono".

Le foto che mostro non sono certo delle migliori... le condizioni non erano ottimali per fotografare e il mio amico (che ha scattato quelle da qui in poi) ha fatto il meglio che ha potuto. Io non sarei riuscito a fare di meglio.

Peccato per la "sparata di flash", ma almeno questa foto non è mossa: si distingue la scritta in basso (in italiano), il titolo (in slavone) e, il cartiglio nella mano del re Davide (in ebraico). L'idea era di mostrare la pluralità dei linguaggi della Chiesa universale. Anche se manca il latino...
Nell'icona ci sono santi e beati che appartengono all'itinerario spirituale del Punto (tra cui Giovanni Paolo II, Alberto Marvelli, Teresa d'Avila...), astanti sotto la Croce.

Riguardo la questione del Cristo che prende la mano di Eva anziché quella di Adamo avanzo dei dubbi (come ha fatto anche il nostro maestro Stal'nov): Cristo è il nuovo Adamo che redime in quello vecchio il genere umano; non sono sicuro che simboleggiare Cristo che porge la mano a Eva sia altrettanto evocativo di questo... Non per un discorso contro il femminismo (che non dovrebbe aver nulla a che fare col cristianesimo) o il maschilismo (neanche questo dovrebbe averne a che fare). Ma per attenermi alla Scrittura. Non sono però argomenti che conosco, quindi i miei dubbi potrebbero anche essere infondati.

La cosa però che non mi torna è che se gli ortodossi sono sempre ligi alla Tradizione, noi cattolici invece non ci facciamo problemi a scalzarla, a "rinnovare"...

La Trinità, bellissima, è quella "classica" dal modello di Andrej Rublev.

Cristo in Trono, il Pantocratore, con gli evangelisti Giovanni e Marco.

La Vergine in Trono, con gli evangelisti Luca e Matteo.
Purtroppo non ho una foto ravvicinata dell'Annunciazione...

Il ciclo è veramente bello, equilibrato, ben dipinto: una qualità così elevata è molto rara in questi tempi di arti così bizzarre. Non dico ciò perché anch'io ho partecipato alla realizzazione di questo ciclo, o perché appartengo a questa Scuola, ma lo dico obiettivamente. In questi tempi in cui la società è secolarizzata all'inverosimile e in cui anche la Chiesa ne risente (basti pensare all'accanita "lotta" interna tra progressisti/modernisti e tradizionalisti), ben vengano cicli pittorici concepiti in piena ortodossia per mezzo forme - quelle iconografiche - che rispondono nell'essenza, anche formale, alla Verità che è il Cristianesimo.
Ossia, ben venga l'icona, che con il suo linguaggio non mostra la falsità di un palcoscenico teatrale, o della limitata fantasia di un pittore, ma la verità del corpo trasfigurato che trasfigura l'intero cosmo.

Oltre al piccolo dubbio teologico sull'ortodossia - che, ripeto, non ho la competenza per verificare - la cosa che non approvo per niente non riguarda il ciclo in sè, ma la sua collocazione: una sala polivalente. Ovverosia un luogo che passa da sala conferenze, ad auditorium e a cappella per le celebrazioni liturgiche. Non c'è quindi il Santissimo esposto e entrandovi l'idea non è quella di essere in un luogo sacro.
Oggi, anni in cui il senso del sacro è davvero molto smarrito, non trovo indicato unire sincretisticamente vita culturale e sociale al luogo della celebrazione che, ponendo troppo l'accento sulla convivialità e la fratellanza del popolo di Dio, smarrisce Colui al quale l'attenzione deve essere rivolta.
Tralascerò i commenti su tastiere e batteria come supporto alla liturgia nelle celebrazioni... "giovani". Ma non riesco a vedere di buon occhio queste intrusioni del "mondo" nelle cose sacre.

Ancora con le croci di San Damiano

2010-03-27T14:52:00.004+01:00

In questi mesi ho avuto molto daffare, in modo particolare con queste quattro croci di San Damiano (è anche per questo che ho rallentato molto nella pubblicazione di nuovi post...).

Ma almeno queste quattro sono finite.
Se qualcuno fosse interessato rimando a questa pagina: http://www.iconografiatavolelegno.it/ITL-icone.htm
Si tratta del catalogo completo (o quasi, per ora) delle icone in vendita presso la falegnameria di Stefano Dal Molin di Sandrigo (VI) per la quale collaboro.

A voi una piccola "panoramica"!

Giovanni Battista Pergolesi e il primo Settecento in pittura

2010-02-26T12:06:00.007+01:00

Non immaginate che difficoltà trovare e scegliere una buona esecuzione! Dieci minuti e neanche finisce, ma credo basti per portare avanti il mio esperimento di rapporto musica-pittura.

[Siccome il filmato che avevo postato inizialmente è stato rimosso, ne ho messo un altro: si tratta del primo movimento. Non mi piace eccessivamente, ma in fondo quel che mi interessa è il brano in sé prima che l'esecuzione, e che nel filmato non ci siano carrellate di quadri a caso che distoglierebbero l'attenzione da quelli che propongo io.]

Giovanni Battista Pergolesi nasce a Jesi nel 1701, muore a Pozzuoli nel 1736. Una vita molto breve, di appena 26 anni dei quali solo 5 di densissima attività. Lo Stabat Mater che propongo, certamente una delle sue opere più celebri, è stata composta nel 1736 - secondo la leggenda - all'ultimo momento prima di morire.

Dal mio punto di vista (assai ignorante nel campo musicale), questa è un'opera molto pregna di effetti, di sentimento, con lunghe ripetizioni... Indubbiamente bellissima, propone un'interpretazione concertistica del brano sacro. Ancora una volta, come in Rossini (ma molto meno), abbiamo un'opera secolarizzata in molte delle sue parti, in cui lo stile mondano della musica barocca influenza un brano che, pur radicandosi molto nella sensibilità popolare, rimane un testo liturgico.

Ecco invece le opere di artisti che grosso modo appartengolo alla stessa epoca:

Luca Giordano (1634 - 1705). Risurrezione di Cristo.

Maddalena penitente incoronata.

Carlo Maratta (1625 - 1713). Vergine col Bambino.

Santa Famiglia.

Carlo Cignani (1628 - 1719). Gesù Adolescente.

Vergine col Bambino.

Francesco Trevisan (1656 - 1746). Crocefissione con la Vergine Dolente (ho scelto una foto che non è un grachè, ma è l'unica opera in tema col brano musicale).

Donato Creti (1671 - 1749). Assunta.

I pittori proposti (tutti rigorosamente italiani!), trattano ancora con dimestichezza il tema sacro, a differenza dei colleghi di cent'anni dopo - che mi hanno dato da tribolare per trovare delle loro opere di tal fatta. Come Pergolesi, i pittori di inizio '700 attingono a piene mani dal repertorio profano ; grande attenzione da parte loro è dedicata alla scultura (penso al celebre gruppo del Bernini di Apollo e Dafne, della Galleria Borghese, che da molti artisti di questa generazione viene riproposto in pittura). Non manca il riferimento, a seconda della scuola di appartenenza, al classicismo carraccesco/tizianesco (Cignani, Creti, Trevisan), alle influenze di Rubens (Maratta), e di Caravaggio (Giordano).

Quel che mi pare di osservare in questi pittori è che la secolarizzazione in loro derivi sia dal classicismo, che dall'adesione al dato reale (quindi sia dal carraccismo che dal caravaggismo). E' un concetto tipico dei pittori occidentali da Giotto in poi quello che nella vicinanza al dato reale si trovi la migliore vicinanza al Vero; ma questo va contro quello che l'arte medievale e l'arte dell'icona mostrano: la vera Realtà, la Realtà ultima, la Vita divina, trascendono dal reale "visivo".
E non sono certo le forme idealizzate del classicismo o le luci dorate del caravaggismo-post-Caravaggio che investono la scena (cose che osserviamo un po' in tutti i dipinti che qui sopra ho presentato e che mostrano "ad effetto" una natura squisitamente fisica) a rendere la Trascendenza: certo, possono raccontarla, oppure ricordarla; possono essere l'espressione di un'allegoria che permette all'intelletto di intuirne qualcosa, ma non la mostrano nella sua Presenza.
Facendo le icone mi sono reso conto di come l'arte sacra abbia bisogno di sfrondare tutte quelle cose che la legano ad una visione "dal basso": noi non possiamo asservire Dio alla nostra immaginazione, nè alle manifestazioni naturali. Abbassare Dio alla nostra portata non gli rende giustizia, non gli rende onore. La fede non è un pensiero né una filosofia! La fede non passa solo per i nostri sensi ma ci è data dall'alto, in un dono che travalica il nostro ego psicofisico!
E' la Vita Divina che santifica la materia elevandola, non è corretto che noi uomini, al contrario, la profaniamo asservendola alla materia tramite effetti e sentimentalismi: ciò non ne aumenta lo splendore, ma lo appanna.
E questo vale sia per la pittura che per la musica...

Rossini e i pittori del primo Ottocento

2010-02-07T16:42:00.008+01:00

Ecco un primo esempio di rapporti tra le diverse discipline artistiche di musica e arte. Ho scelto, per cominciare, il Kyrie dalla Petite Messe Solennelle di Gioachino Rossini (1792 - 1868); della sua vasta opera compositiva estrapolo solamente ciò che ci interessa, cioè la sua produzione sacra: un kyrie di questa Messa che scrisse verso la fine della sua vita (1863).
Va notato come questo "brano" sia concepito in maniera molto concertistica: già l'uso di un pianoforte all'inizio, rende la sua esecuzione all'interno del tempio cristiano quantomeno difficoltosa. Non ho idea se questa messa sia mai stata eseguita per una liturgia vera e propria...

Essendo Rossini in parte antiromantico, nonostante sia collocabile in un'epoca già pienamente ottocentesca, mi pare meglio confrontarlo con opere sacre di pittori della generazione precedente. Non so se questo sia giusto, ma se probabilmente la Restaurazione (e Neoclassicismo) con Rossini non hanno nulla a che vedere tra loro,è la produzione sacra che li unisce. Alterno dunque alcune immagini di arte sacra, tra l'inizio e la prima metà dell'800.

Quello che chiedo è soltanto di guardare le immagini tenendo come sottofondo la musica di Rossini... come se l'immagine sacra corrispondesse alla liturgia che viene cantata. Da qui vedremo a che punto è la secolarizzazione in quell'epoca, e avremo un' "idea" (per quanto "puramente estetica" essa sia) della Chiesa dell'epoca, sentendo il suono della pittura e dando un'immagine al suono.

Gaspare Landi (1756 - 1830). Salita al Calvario (1808).

Vincenzo Camuccini (1771 - 1844). Presentazione al Tempio (1808).

Gioacchino Serangeli (1768 - 1852). Vergine col Bambino e San Bernardo (1826).

Palagio Palagi (1775 - 1860). Santa (?).

Santa Famiglia con San Giovannino (1845).

Interdisciplinarietà

2010-02-05T17:25:00.004+01:00

Da sempre trovo un'affinità tra le discipline. Naturalmente non me lo invento io, ma è un dato di fatto: parlando ad esempio di "correnti" moderne come, che so, il Futurismo, troveremo una pittura futurista (Boccioni, Balla, Carrà, Severini...) legata ad una letteratura futurista (Marinetti è l'unico che mi ricordo), a un'architettura futurista (Sant'Elia), a una musica futurista (Pratella... che ammetto di non aver mai sentito, e non ci tengo particolarmente).
Il contesto moderno dell'arte, sarà anche la facilità di divulgazione delle opere grazie ai mezzi della tecnica, presenta moltissimi casi di interdisciplinarietà, e ciò è da parte degli artisti molto approfondito, spesso e volentieri ricercato, quasi... imposto. Da un lato i futuristi si conoscevano tra loro: Marinetti e Boccioni, Carrà, Sant'Elia, Russolo; facile dunque praticare l'interdisciplinarietà. In secondo luogo alcuni artisti praticavano più arti: Boccioni ad esempio era sia pittore che scultore. Russolo sia pittore che musicista.
Non ne ho la certezza, ma mi pare di vedere che la consapevolezza all'interdisciplinarietà è molto maturata durante le avanguardie. Parlando ancora di esempi e tornando indietro rispetto al futurismo abbiamo il cubismo, col poliedrico Picasso (pittore, scultore, ceramista), Braque, Léger, il letterato e teorico Apollinaire e i colleghi Max Jacob e Gertrude Stein, Duchamp-Villon nell'architettura.... oserei aggiungere Stravinskij nella musica.
Più indietro ancora, prima dell'Espressionismo, dei Fauve, dell'Impressionismo... prima abbiamo le correnti realiste, il Romanticismo, il Neoclassicismo, tutte con la loro interdisciplinarietà tra pittura, scultura, architettura, musica, letteratura e filosofia.
Mentre in epoca moderna è - pare - l'amore per la cultura "pura" a far incontrare gli artisti nei diversi linguaggi dell'arte e della cultura (sono loro stessi che danno impulso alle "correnti", esprimendo istanze filosofiche o bisogni antropologici), più indietro nel tempo c'erano degli "Enti" che favorivano la diffusione delle idee: la Chiesa in primo luogo; e poi qualche circolo culturale legato magari ad una certa famiglia nobile, oppure a qualche ordine religioso.

Dove voglio andare a parare con questo?
Mi piace (ma soprattutto trovo utile) l'idea di andare a ricercare nella storia alcune interdisciplinarietà. Quella che più mi preme è il rapporto tra pittura e musica; non mi piace in realtà escludere altri rapporti come quello con la pittura e la filosofia, la letteratura e la teologia, ma purtroppo sono molto ignorante in quei campi...
E' vero poi che sono un iconografo, ma - com'è uso nella fase culturale odierna proprio per quel che riguarda l'iconografia - provo a tornare indietro dalla modernità verso il passato.
Questo mi permetterà di verificare alcune cose, e forse anche di puntualizzarne altre che ho già in mente.

A presto dunque!

Ancora sulla Madre di Dio della Passione

2010-01-29T18:40:00.004+01:00

Ricordate che avevo parlato di una Vergine della Passione della Catedral di Constitucion, in Cile?
Ebbene, nell'ultimo viaggio ho potuto rivederla e fotografarla, per quanto possibile.
Eccola!

Madre di Dio della Passione

2009-11-05T12:13:00.005+01:00

In questo tipo di immagine la Vergine sostiene il Bambino con il braccio sinistro e ne stringe la mano con la sua destra, mentre due piccoli angeli negli angoli superiori dell'icona reggono gli strumenti della Passione. Particolarità è il fatto che il Bambino non guarda sua Madre, ma si volta indietro verso l'angelo che porta in mano la croce.

Mi è capitato varie volte in Spagna di incontrare immagini dell'icona della Madre di Dio della Passione, in greco Amolyntos (Immacolata).
Recentemente l'ho vista anche in un paio di chiese a Luzern, in Svizzera; ricordo anche di essermi stupito di trovarla nella Catedral di Constituciòn, nella Regiòn del Maule, in Cile (quando andai nel 2003).
Non so perché questa immagine sia così diffusa in Occidente, tanto da essere tradotta non solo in pittura, ma anche in ceramica e in scultura:

L'icona viene trattata secondo il gusto popolare e barocco e dà luogo ad una immagine assolutamente particolare!
Scusate, la foto qui sopra è storta perché per farla senza che venisse mossa ho dovuto appoggiare la macchina su una panca della chiesa...

Forse è stata accolta in Occidente per il suo simbolismo così immediato nel richiamo alla croce; o forse ci sono ragioni storiche, magari i rapporti con Venezia e Creta (solo per citare, nel XVI secolo Domenikos Theotokopoulos, "El Greco", un cretese formato in patria e a Venezia, finì a lavorare a Toledo alla corte spagnola).

Ecco un altro esempio, italiano stavolta: la Vergine del Perpetuo Soccorso. Si trova a Roma, nella neogotica chiesa di Sant'Alfonso de' Liguori, ed è un'icona del XIV secolo di scuola cretese.

E' un'immagine che mi ha sempre colpito e che mi piacerebbe aver occasione di dipingere: quando mi capiterà cercherò di approfondire meglio il perché questa immagine sia così diffusa in tutto l'Occidente.

In cammino nel romanico

2009-10-16T15:55:00.006+02:00

Chi segue il reportage sul Camino del Norte sul blog Piattaforma, avrà già visto la foto di questa chiesa: si tratta della Collegiata di santa Giuliana a Santillana del Mar. Questo è un tipico esempio di romanico spagnolo, come non è infrequente trovare un po' dappertutto nel paese.

Per quella che è la mia esperienza di Spagna - cioè i cammini di Santiago - posso dire che i migliori esempi di romanico li ho visti specialmente in Castiglia, in luoghi come il monastero di San Juan de Ortega, il Panteòn de los Reyes nella basilica di san Isidoro a Leòn, con i suoi bellissimi affreschi, oppure le tante chiese che si incontrano nella città di Zamora, o gli edifici religiosi di Sahagun; e naturalmente in Galizia, un esempio su tutti la stessa cattedrale di Santiago, e il suo meraviglioso Portico della Gloria, opera del Maestro Matéo.

Questa collegiata di Cantabria si rifà agli esempi castigliani, giacchè per la sua storia questa regione è legata a quella della Castiglia.

Uno dei pregi decorativi di questo complesso è il chiostro e le figure che sono scolpite su molti dei capitelli. Questa sembrerebbe una scena di caccia.

Qui invece è raffigurato un angelo.

Ci sono molti intrecci fantasiosi in cui compaiono a volte figure di uomini e animali

La chiesa romanica è un po' come un libro aperto, piena di significati allegorici e spirituali.
Mi colpiva una spiegazione di questo che ci aveva fatto don Salvador, un prete della cattedrale di Santander lo stesso giorno: lui parlava del gotico e lo confrontava col romanico. Il gotico - diceva - è uno stile in cui più forte si percepisce un afflato spirituale, un contatto diretto con Dio. In una chiesa gotica il fedele sente la sua anima che si eleva, le vetrate, la luce, l'architettura, tutto questo lo porta in alto. Non per niente è lo stile di un'epoca, il XIII secolo, in cui fioriscono gli ordini spirituali come i Francescani e i Domenicani.

Il romanico invece è più didascalico, ricarca la teologia e la corretta catechesi; gli scalpellini nei capitelli raffiguravano scene tratte da episodi della Bibbia o immagini di suoi personaggi, la vita dei santi, i misteri liturgici. Si vedeva raffigurata simbolicamente anche l’umanità e la vita quotidiana (persone, arti, mestieri, animali, zodiaci, ecc.) che venivano a costituire il “sacrificio vivente, gradito a Dio” presente nella liturgia.
Spesso e volentieri però anche immagini enigmatiche: animali, piante, mostri, disegni geometrici, oggetti, motivi astratti, che nascondevano e nello stesso tempo svelavano il mistero; c'è chi parla di un retaggio di quella simbologia che allude a verità della fede sotto forma di immagini incomprensibili ai non iniziati - cioè ai non battezzati - presente dai primi secoli della Chiesa... devo dire che mi piacerebbe conoscere e capire di più su questo!

Comunque sia, da queste immagini il credente imparava a leggere la Parola, secondo i precetti di papa Gregorio Magno (il concetto di biblia pauperum) e continuamente veniva rimandato alla verità dei misteri che si celebravano. Per il monaco che invece pregava passeggiando nel chiostro erano la possibilità di penetrare sempre più a fondo le verità della fede, ma forse anche di esserne penetrati, così come dice san Paolo agli Ebrei:

"la parola di Dio è viva, efficace e più tagliente di ogni spada a doppio taglio; essa penatra fino al punto di divisione fra l'anima e lo spirito, delle giunture e delle midolla e scruta i sentimenti e i pensieri del cuore" (Eb 4, 12).

Lo stesso concetto relativo alla Scrittura si può applicare all'immagine, che è "Scrittura per immagini". Questo, che in oriente è un punto fermo, nel romanico trova per l'ultima volta in occidente una corretta applicazione.
Ecco perché il romanico è forse l'ultima vera "iconografia completamente occidentale", cioè nata e vissuta solo in occidente. E' un concetto interessante sul quale però occorrerebbe riflettere bene e prendere le giuste misure...

Al lavoro

2009-10-09T20:45:00.005+02:00

Ho ancora varie foto dell'estate da far vedere, qualcuna della Spagna, la maggior parte di Albania e Kosovo. Però il lavoro va avanti, pur con qualche rallentamento dovuto ad un periodo un po' così... è che sono un po' stanchino e non sto rendendo un gran ché; almeno in termini di ore di lavoro. Invece, per quanto riguarda la qualità, cerco sempre di fare del mio meglio!
La prossima estate magari me ne vado al mare invece che passarla a muovermi da un posto all'altro... [Sé, figurarsi! :-D]

Iconografia in cammino verso occidente

2009-10-02T15:08:00.007+02:00

Il giorno stesso in cui mi sono messo lo zaino in spalla cominciando di fatto il Cammino di Santiago, è stato quello in cui ho preso un treno da Bologna alla volta di Milano: la prima "tappa" è stata la basilica di Sant'Ambrogio, in cui speravo di prendere la messa delle 10 - era domenica. Ce l'ho fatta in effetti, dalla stazione centrale alla basilica non ci vuole molto con la metro, anche se con qualche minuto di ritardo... Vabbè, sono cose che capitano.
L'appuntamento coi miei amici era all'uscita della metro Sesto Marelli nel primo pomeriggio, per cui sapevo di avere tutta la mattina per visitare la basilica e quello che avrei trovato di interessante in città. Ma in particolare Sant'Ambrogio. C'ero già stato un'altra volta, ma l'orario non mi permise di entrare nel Sacello di San Vittore in Ciel d'Oro.

Eccolo. Si sale una scaletta nella navata destra, si gira quasi subito a sinistra e lassù, dietro una cancellata, si trovano questi bei mosaici del IV secolo che rappesentano, nel centro della cupola, San Vittore, con sul capo la corona gemmata propria dei martiri.

Ecco, qui si vede un po' meglio.

Sulla parete di sinistra, San Protasio,

Sant'Ambrogio

e San Gervasio.

Sulla parete di destra, San Felice,

San Materno

e San Nabore (Le foto del Sacello di San Vittore in Ciel d'Oro sono tratte da Wikipedia).

Fu il vescovo Materno a volere la costruzione di questo sacello, per ospitare la tomba di San Vittore il Moro - soldato mauritano di stanza a Milano, martire all'epoca delle persecuzioni di Massimiano - che si trova tuttora nel pavimento, esattamente sotto l'effigie del santo che campeggia al centro della cupola; accanto a lui riposa anche il fratello, San Satiro, deposto qui dallo stesso Sant'Ambrogio.
All'epoca il sacello si trovava staccato dalla basilica, la quale lo inglobò nel corso dei secoli.
Sulle pareti sono scritte le immagini dei santi fondatori della chiesa milanese, dai primi martiri ai primi vescovi, tra cui lo stesso Ambrogio, che viene però rappresentato non ancora santo (senza aurelola), con abiti civili e con un ritratto quasi naturalistico che risente evidentemente di un ricordo ancora fresco nella memoria degli esecutori.

Caspita, che bello! Sono stato un bel po' con il naso all'insù... E che bel segno, partire per il pellegrinaggio facendo tappa in un luogo così carico di spiritualità!

Al secondo viaggio dunque...

2009-08-26T21:20:00.003+02:00

Giusto per far vedere a chi mi segue che non mi sono perso... Sono tornato dalla Spagna e Portogallo. Ho visto un sacco di cose belle, molti colori, molte opere d'arte; anche qualche immagine interessante per quello che riguarda l'iconografia. Vedrò se nel prossimo post sarà possibile mostrare qualche foto (con la macchinina che ho non è detto che foto prese nell'ombra di molte chiese siano venute bene... devo fare un po' di ordine e di scelta).
Adesso invece, anzi, domani sera, parto per il sud: Trani, Bari, poi traghetto fino a Durazzo... visiterò l'Albania. Nel frattempo spero di fare una puntata a Corfù - Grecia - e un'altra a Ochrida, in Macedonia. Infine, dall'8, 9, o 10 settembre, sarò in Kosovo, un mio sogno "proibito" da anni, soprattutto per vedere gli affreschi di chiese e monasteri al Patriarcato di Pec, a Decani, alla Bogorodica (Madre di Dio) Ljeviska a Prizren e Gracanica vicino Pristina.
L'idea sarebbe stata quella di visitare anche la Serbia (Mileseva, Sopocani, Studenica in particolare), ma soldi e tempo non sono infiniti... Già mi rendo conto che oltre 50 giorni complessivi di "vacanze" possono apparire vergognosamente lunghi; poi, in effetti, il lavoro mi chiama: ce n'è (per fortuna) e non è bene rimandarlo!
Vedrò insomma, in base a quanto tempo ci metto a visitare il Kosovo deciderò per quale via intraprendere il ritorno, se via Kraljevo (e quindi continuando la via dei monasteri), se via Belgrado (almeno visitando il Museo Nazionale) se via Sarajevo (un altro sogno "proibito") o se via Dubrovnik (sulla costa dalmata)...
Intorno al 17 - 18 settembre dovrei essere a casa.

In partenza...

2009-07-18T16:38:00.003+02:00

Beh, ormai il momento è giunto: per domani è prevista la mia partenza per il Cammino di Santiago! Se qualcuno frequenta anche l'altro mio blog, La Piattaforma, ormai forse saprà che questo è il mio quarto Cammino.
Sono un pellegrino devoto? Un impareggiabile entusiasta del camminare? Un amante della Spagna? ...Un pazzo? Forse tutte queste cose...
Man mano che "passano" i cammini trovo di essere sempre più devoto a San Giacomo, tant'è che il laboratorio di cui ho aperto la partita iva lo scorso maggio, si chiama "Laboratorio San Giacomo Apostolo". Non è solo devozione o affetto verso un santo che tanto mi ha accopagnato in questi anni (la mia stessa parrocchia è intitolata a san Giacomo), ma è anche un'idea che mi accompagna: l'idea dell'occidente cristiano, il polmone dell'Europa in cui noi cattolici viviamo; un occidente dalla storia così nobile, ma anche terribile, custode ardente della Sacra Tradizione, oggi così perso in se stesso e nel pensiero modernista...
Essendo le icone parte della tradizione orientale, ma patrimonio della Chiesa Universale, io mi volgo a occidente, e cammino verso i luoghi in cui il sole cala per tuffarsi nel vasto oceano; porto con me... cerco di portare con me (di conoscere soprattutto) la Tradizione dell'oriente, e di ritrovarla, universale, in occidente.
Beh, insomma, è anche per questo che cammino; il mio è un cammino che mi porta nella bellezza del creato e nella bellezza della Chiesa. Un percorso che sembra allontanarsi dalle icone, in realtà mi porta a scoprire il Volto di Cristo anche laddove si può pensare che non vi sia...

Quest'estate il mio camminare sarà molto lungo. Non solo arriverò a Finisterrae, l'estremo lembo di terra europea più ad occidente, ma mi riporterà anche ad oriente, nelle terre degli albanesi e dei serbi.
Questa è la parte del viaggio per cui ho lavorato molto in queste ultime settimane e che ha limitato sia la pubblicazione di nuovi post, che il lavoro pittorico. Eh, già: il crocifisso di San Damiano non è stato terminato... Sarà per settembre!

Ora è il tempo del viaggio. Come mi ha detto un caro amico: "SEI TENUTO a viaggiare" in questo tempo. Ebbene sì, quasi tutto è pronto ormai; manca solo una parte dello zaino. Non mi resta che salutare le icone incompiute qui accanto a me, i colori nei loro vasetti, le tavolozze di ceramica e i pennelli. Arrivederci a settembre!

A settembre anche a voi cari amici! Spero di poter mostrare delle belle foto di arte cristiana, sia del Cammino, che dell'Albania, del Kosovo e della Serbia!
Buona estate a tutti!

Cinabro da macinare

2009-07-08T10:58:00.005+02:00

Anche se non sembra, visto il ritmo con cui sto pubblicando ultimamente, ho molto lavoro in questo periodo; soprattutto tenendo conto che il 19 luglio parto per il mio quarto Cammino di Santiago. Mi resta poco tempo ormai per portare avanti quattro icone che mi piacerebbe finire e consegnare.

La vedo molto dura: non si può correre troppo quando si dipinge un'icona; si rischia che il lavoro diventi frettoloso e tirato via... Comunque, fra le mani ho due icone del Cristo Pantocrator (scuola di Mosca, XVI secolo - mi pare - Museo Andrej Rublev, Mosca), un piccolo crocefisso di San Ranierino (Giunta Pisano, museo Nazionale di San Matteo, Pisa), e un altrettanto piccolo crocifisso di San Damiano (Basilica di Santa Chiara, Assisi).

Quest'ultimo è un lavoro molto complesso, ma allo stesso tempo estremamente entusiasmante: quando sono alle prese con l'arte italica sono sempre molto contento! E' un tipo di pittura diversa dalla solita tecnica russa, sia per quanto riguarda il disegno e le forme, che per il colore e il tipo di schiarimenti. Inoltre, essendo le dimensioni della mia tavola molto piccole, è davvero complicato lavorare alla gran quantità di piccoli volti... Certo è che se ce la farò, bene, se non dovessi invece farcela rimanderò tutto a settembre per terminare con la giusta tranquillità.
Nell'icona di San Damiano c'è molto rosso: ecco perché mi sono messo a macinare del cinabro (solfuro di mercurio). Ho quasi finito le scorte e me ne servirà un bel po' per rendere la brillantezza dei rossi!
Ad Maiora!

Volto e particolari dell'Angelo Custode

2009-06-04T12:49:00.006+02:00

Ecco un particolare finito, anche se non ancora verniciato, del volto dell'Angelo Custode.

Con la vernice invece: la mano in gesto d'accoglienza e benevolenza;

l'altra mano che regge il bastone;

un particolare del petto e del clavo decorato dall' "asist" d'oro.

Angelo Custode: filmato sullo schiarimento del volto

2009-05-28T20:27:00.004+02:00

Tempo fa lavoravo all'icona di un Angelo Custode, ricordate? Ebbene, con molta calma e tranquillità l'ho finalmente terminata e sono riuscito a realizzare un filmato di parte del lavoro che ho svolto sul volto (scusate il gioco di parole). Non è stato facile dipingere e contemporaneamente reggere la fotocamera, per questo quanto è stato filmato non esaurisce tutto ciò che è stato il lavoro: ad un certo punto mi sono stufato e ho lasciato perdere le riprese. Magari la prossima volta userò un cavalletto fisso!
Durante la fase pittorica ho fatto altre foto, alcune a lavori in corso, di particolari anche delle vesti, oltre che l'intero finito. Cercherò di fare una scelta e di mostrarle nei prossimi post.

Ecco il filmato: il volto finito si vede alla fine. Buona visione!

Un esperimento dal Libro dell'Arte di Cennino Cennini

2009-05-20T15:50:00.030+02:00

Cennino Cennini di Colle Val d'Elsa, nato attorno al 1360 e morto attorno al 1427, pittore tardogotico, allievo di Agnolo Gaddi, figlio di Taddeo allievo di Giotto, è rimasto nella storia, più che per le opere pittoriche a fresco o su tavola, per il celebre Libro dell'arte.
Questo libro, citato tra le fonti in lungo e in largo da tutti gli studiosi dell'arte medievale e gotica (da Giotto in avanti), racchiude tutta una serie di accorgimenti, ricette, consigli, tecniche per dipingere a fresco, su tavola, a tempera, ad olio, per fare la doratura, le vernici...
Ora, anche se Cennini descrive (orgogliosamente) le tecniche tramandate dal "divino" Giotto che "rimutò l'arte del dipingere di greco in latino e ridusse al moderno" (Cap. I) - affermazione, quest'ultima, oggi come oggi assai discutibile e abusata - non credo che ci siano particolari problemi ad applicare un metodo di schiarimento del XIV secolo a modelli del XIII.
Con i dovuti aggiustamenti e con la giusta cautela, naturalmente.
Intanto premetto che Cennini predilige l'affresco, che definisce "l'più dolce e l'più vago lavorare che ci sia" (Cap. LXVII); per cui, andando nella sezione relativa alla pittura su tavola rimanda al capitolo sull'affresco. Quello che cambia è il tipo di pigmento usato (ad esempio, su tavola non si usa il bianco di San Giovanni, che è praticamente calce e si usa solo su muro) e il colore del fondo: nella sezione della tempera consiglia un fondo verde (terra verde più biacca), mentre nella sezione dell'affresco ne consiglia uno più ocra (ocra gialla, bianco, nero, ocra rossa). Inoltre si raccomanda, in tavola, che i passaggi siano più rifiniti, e ripassati più volte che in affresco: "E abbi, che la tavola richiede essere più volte campeggiata che in muro; ma non tanto però, ch'io non voglia che il verde che è sotto le incarnazioni sempre un poco traspaia" (Cap. CXLVIII). Insomma, coprente ma non troppo, trasparente, ma non troppo.

Questo il mio modello, il volto della Vergine nel braccio della Croce di San Ranierino, del Museo Nazionale di San Matteo a Pisa, di Giusta Pisano.

Ho lavorato su carta, quindi vedrete una serie di onde e situazioni di imbarcamento. Ci tengo a specificare che il mio è solo il primo esperimento su questa tecnica, e che a questo seguiranno altre prove (magari su tavola). Il risultato mi soddisfa abbastanza, ma sarà solo con la pratica e con l'osservazione dei modelli antichi che potrò raggiungere un qualche punto fermo.

Cennini dice quindi, terra verde più biacca: un paio di mani. Io ne ho date tre... in ogni caso, credo, anche guardando i passaggi successivi sul libro, che il Cennini intendesse specificando "due mani" un fondo davvero trasparente.

Secondo passaggio, con lo stesso colore acquarellato, (io ho aggiunto più verde) si tracciano le ombre, in modo da avere una definizione maggiore delle aree scure di bocca, mento, collo, borse degli occhi, sopracciglia.
...se vedete, ingrandendo la foto, del marrone, non vi preoccupate; sono io che ho sbagliato colore.
Come vedete io sono partito senza disegno: lo otterrò restringendo sempre più i passaggi. E' chiaro però che con un disegno sotto al colore base fatto a china, tutto sarebbe più semplice!

Con la martora, e quindi con un colore un po' più denso (ho aggiunto ancora terra verde), segnamo la grafia sottile di un po' tutti gli elementi del volto. Pur ancora monocromo, abbiamo già una certa rotondità.

Cinabro più bianco (ma anche rosso ercolano, io ho usato questo), segnamo le guance e le labbra. Cennini parla solo di questi elementi, e in questo caso io l'ho seguito alla lettera, però gli arrossamenti andrebbero anche sotto al mento, sopra la palpebra, nel collo. In generale laddove lo schiarimento sfuma nel verdaccio.
Tutto questo è diverso dal solito metodo che usa gli gli arrossamenti sopra gli schiarimenti, ma lasciamo fare all'esperienza di Cennino.

Ora il nosto amico ci dice di fare tre colori per l'incarnato: uno più chiaro, uno medio e uno meno chiaro (cioè con diverse quantità di bianco). Confesso che è stato un po' difficile fare sulla tavolozza tre colori contemporane- amente, tutti composti da ocra gialla, bianco e cinabro (con il termine "incarnato" si intende sempre questa mescolanza!). Forse sarebbe meglio farli separatamente e darli uno alla volta... Non rientra troppo nelle mie abitudini neanche il fatto di partire da un colore più chiaro per poi andare verso un meno chiaro... Ma, come dicevo, è questione di abitudine, di esperienza e abilità.
Il primo colore dunque è l'incarnato più chiaro, dato nei punti più luminosi, sfumando verso l'interno.
Forse potevo fare un colore appena più chiaro di quel che ho fatto!

Poi l'incarnato intermedio si espande ancora un po' verso l'esterno delle forme. Ho cercato di non coprire i punti più chiari del primo incarnato.

Terzo schiarimento dell'incarnato. Ancora di più verso l'esterno. E' stato qui che ormai ho capito che il primo dei passaggi era troppo poco chiaro: il terzo quasi non si nota!

Dopo comunque si interviene coi bianchi quasi puri, a rinforzare i punti luce.

Quindi col nero diluito possiamo riprendere parte della grafia: gli occhi, le sopracciglia, il sotto del naso, qualcosa delle labbra, sotto al mento. E col bianco puro i punti luce più estremi, sul naso, negli occhi, e comunque dove appare più conveniente.

L'ultimo passaggio è la sinopia più rossiccia, ossia il colore della grafia che sottolinea il naso, la linea sopra delle palpebre, la linea sotto degli occhi, qualcosa nella bocca...
Nel mio caso ho ecceduto col nero... Credo che sarebbe opportuno avere più gradazioni rossicce dal color sinopia al nero, perché non tutte le linee sono uguali.

Qui termina l'esperimento. Avrà modo di mostrare qualcos'altro più avanti, e, come dicevo, anche qualcosa di più rifinito, eseguito magari su tavola...
Alla prossima! :-)

Volto di un angelo, da Cimabue

2009-05-12T09:48:00.005+02:00

Amo molto Cimabue. Egli si colloca al limite fra la scuola bizantina che si praticava in Italia fino al '200, e quelle istanze "classicistiche" che presto porteranno l'arte italiana a Giotto e alla pittura gotica. Svincolato dall'ambito degli studi accademici, posso finalmente parlare di Cimabue secondo la mia sensibilità da iconografo...

Lo farò, è inevitabile: amo troppo Cimabue per non parlarne più... ma prima di farlo preferisco lasciar parlare le immagini.
Ho preso il particolare del volto di un angelo dalla Maestà di Santa Trinita, oggi conservata agli Uffizi di Firenze.
Trovo molto utile fermarsi a osservare a lungo i particolari di un'icona, e ancor più utile per entrarci dentro, è la copia fedele di un particolare.

Mi rendo conto sempre più dell'utilità del fare copie, da quando, nel novembre/dicembre 2006 eravamo a dipingere l'iconostasi per Novodevicij a San Pietroburgo. Entrando nel laboratorio dei maestri Stal'nov, Kusov, Zhdanova e Prokhorova, nella Lavra Nevskij, vidi vicino alla postazione di lavoro di Ivan Kusov una tavoletta di legno compensato dipinta con un particolare, mi pare, di una Presentazione al Tempio. Quello che mi colpì allora fu che quella copia era uno studio tecnico e "archeologico" di un'icona della scuola di Rublev, dipinta esattamente secondo quelle tecniche, proporzioni, canoni, modi di schiarimento... Invece l'icona grande a cui Ivan Kusov stava lavorando in quel momento - una figura di un santo in piedi - stava venendo eseguita secondo ...la scuola di Ivan Kusov! Era tutta un'altra cosa rispetto all'icona antica, eppure ne rispettava i canoni.

Nell'ultimo corso di Sogliano ho capito questo: l'esercizio "archeologico" sulla copia è estremamente importante per essere usato in seguito al servizio delle icone vere e proprie.
Pur essendo in una fase di apprendimento di questo nuovo (per noi) linguaggio, non possiamo noi iconografi fare icone come "copie archeologiche"; noi dobbiamo scrivere icone nuove, e per farlo occorre tanta pratica sui modelli originali.
In realtà non si scrive un'icona nuova di punto in bianco... verrà da sola, con il lavoro, con lo studio (tanto) e con il confronto fra di noi. E non saremo noi a decidere se la nostra è un'icona nuova, ma saranno le generazioni future che vedendo il nostro lavoro si renderanno conto se la nostra immagine è tale oppure no.

Corso di aggiornamento

2009-05-05T09:44:00.011+02:00

Non scrivo da un po'; lo ammetto, un poco di pigrizia da computer, e una settimana fuori casa... E dire che ne ho di cose da far vedere, perché il lavoro prosegue! La settimana dopo quella di Pasqua dunque, ero a Sogliano sul Rubicone per il corso di aggiornamento con Aleksandr Stal'nov, giunto da San Pietroburgo appositamente per tenere queste lezioni.

Ecco il maestro: è quello vestito di scuro appoggiato al tavolo. Mentre quello con la maglietta rossa è nientemeno che Giancarlo Pellegrini.

Siamo nel monastero delle sorelle carmelitane di Santa Maria della Vita, ormai un punto di riferimento per la nostra scuola iconografica: sono anni che in questa sala si tengono i corsi di icone. Ho anche altre foto scattate dal mio banchino verso l'aula, ma le troverete (presto spero) sull'altro blog La Piattaforma.

Ecco invece la mia di postazione! Il corso di quest'anno si è incentrato sulla figura in piedi. Dallo schema ad otto teste dell'anatomia umana "classica" (vedete la fotocopia con lo schemino sotto la foto del Cristo), all'applicazione dello stesso nell'iconografia.

Su una tavoletta gessata il nostro lavoro è consistito quindi nel ridisegnare secondo quello schema, aiutati da una foto, il Cristo in piedi tratto dal Battesimo di Andrej Rublev.

Ecco il disegno ripassato a china. Il pesce (che poi vedrete essere più di uno) li ho fatti per ingannare i tempi di attesa del maestro che sono un po' lunghi...

Colori di base: prima faccio delle prove a parte per testare i colori dell'incarnato (sankir), vicino a quello del fondo e a quello del perizoma.

Ecco il foglio di carta d'acquarello con le prove.

Poi passo a stendere i colori sulla tavola. Non mi è stato possibile fotografare nel dettaglio certi passaggi, soprattutto perché non è semplice dipingere e fotografare contemporaneamente. Ma sto pensando a come fare, e prima o poi riuscirò a mostrare qualcosa di più preciso, anche per quanto riguarda i modi di stesura del colore e dettagli in genere.

Comunque qui le varie fasi.

Sono foto in cui volutamente metto in risalto il riflesso per mostrare come la pittura vada usata in modo molto grasso, tanto da creare un certo spessore. L'emulsione, cioè il rosso d'uovo mescolato al vino bianco secco, è in rapporto 1:1,5 cioè 1 di rosso d'uovo e 1,5 di vino. I colori sono molto liquidi e si stendono con molte mani date con il pennello di scoiattolo, sempre a partire dai punti più luminosi andando poi a sfumare e fondere verso il verde del fondo con più trasparenza.

So che è difficile da spiegare, soprattutto so che la cosa migliore sarebbe far vedere dal vivo, anche perché c'è una componente di sensibilità di mano che non può essere insegnata guardando solo delle foto... Inoltre in questo post sto riassumendo molto, ogni passaggio meriterebbe molte più spiegazioni e molte più immagini, quindi spiegazioni più dettagliate, limitate ad un solo passaggio per volta. Non abbiate timore, abbiate pazienza ed entrerò nei dettagli nei post a venire.

Il primo schiarimento (prima ocra) terminato. Esso è il 70% del lavoro di schiarimento: icone più antiche, diverse dalla scuola di Rublev dei primi del XV secolo, non schiarivano ulteriormente e si fermavano qui, aggiungendo solo i tratti vivi.

Ma il nostro è uno studio "scientifico", magari anche "archeologico" su un'immagine presa proprio da Rublev, per cui proseguiamo con la seconda ocra, un po' più chiara, sopra i punti più luminosi del passaggio precedente. Si tratta di un 20 - 25% dell'intero lavoro di schiarimento; è molto delicato, il colore sempre liquido e grasso, attento a dove c'è più luce o dove ce n'è meno.
Lo so, è una brutta foto...

Qui c'è un particolare coi tratti vivi... ma sono troppo forti, troppo bianchi! Quest'icona di Rublev ha tratti vivi delicati. Ci vuole più giallo, più ocra... un colore più liquido.

Le gambe, e i pesci!

Ho velato quindi solo i tratti vivi con le "nuvolette", ossia un ultimo schiarimento molto liquido, appena un poco più chiaro della seconda ocra, il 10 - 5% mancante del lavoro complessivo di schiarimento. In teoria non si dovrebbe velare, si dovrebbe raggiungere il colore giusto e la giusta trasparenza direttamente con le mani di colore date la prima volta. In pratica poi non è così...

Ecco il risulato dello schiarimento finito, compreso il perizoma, i pesci e alcuni particolari esterni alla figura. Ma ci sarebbe troppo da dire, lo ribadisco, non ho detto tutto... Non si esaurirà mai quello che si può imparare nell'iconografia: si può sempre migliorare, perché ogni cosa si può fare in modi diversi, perché le cose da fare sono tantissime, e soprattutto perché ogni cosa ha un senso, un significato. L'icona è come la Scrittura: non si esaurisce mai, perché non è solamente umana, ma partecipa della vita dello Spirito, che è "sorgente di acqua che zampilla per la vita eterna" (Gv 4, 14).

Crocefisso

2009-04-08T14:25:00.005+02:00

Questi giorni che precedono la Pasqua, così intensi, così forti, in cui si ricorda e si celebra la Passione di nostro Signore, sono ancor più sotto il segno della Croce per le popolazioni dell'Aquila e dell'Abruzzo. In questi giorni il mio pensiero si rivolge spesso a loro: tutto quel che ho da offrire, oltre la preghiera, è quest'immagine del Crocefisso, che per noi si offre alla sofferenza, alla spoliazione, alla perdita di tutto. A Lui volgiamo lo sguardo, certi della risurrezione, al di là di ogni parola, al di là di ogni pianto...

Aureola

2009-03-27T12:59:00.011+01:00

Questo è uno dei modelli che ho utilizzato per elaborare l'immagine dell'Angelo Custode. Come potete vedere si tratta di un'icona a sbalzo con le parti colorate realizzate a smalto, del XIII secolo, conservata a Venezia, nel Tesoro di San Marco. Raffigura l'Arcangelo Michele.
Mi piaceva il disegno, molto arioso per quel che riguarda la posa, aggraziato nella posizione delle mani e nell'espressione del volto.
Naturalmente per trasporre un'immagine del genere in un'icona su tavola dipinta coi colori, sono necessari altri modelli; comunque anche solo da qui mi è stato possibile - tramite vari studi e bozzetti - ricavare un disegno, almeno per quel che riguarda il volto.

Sulla mia icona rimane un'ultima cosa da fare, eseguita con il Plaka. Anzi due: l'aureola ed il bastone.

Prima di fare ciò mi permetto una puntualizzazione: nei commenti del post precedente, Leone mi ha fatto un appunto sul termine tecnico di "nimbo" rispetto a quello di "aureola". In realtà non mi sono convinto, comunque non credo di sbagliare utilizzando anche il secondo. Ho fatto una ricerca sul Dizionario Etimologico Italiano e ho visto che "nimbo" è un termine entrato nell'italiano nel XV secolo e ha due significati: nube carica di pioggia (detta anche "Nembo") e aureola dei santi o persone divinizzate. Viene dal latino nimbus, ma è documentato dal IV secolo a.C. come "attributo di divinità", "simboleggiante la luce".
"Aureola" invece è entrato nell'italiano nel XIV secolo e indica "raggiera di santi". E' un termine della Chiesa (corona) e viene dal latino tardo (Petronio, aureola, diminutivo di aureus).
Deduco che siamo di fronte a sinonimi, nessuno dalle origini più nobili dell'altro: uno - nimbo - è un termine più greco, l'altro - aureola - più latino.

Da iconografo occidentale credo sia cosa buona - accanto alla tradizione greca/orientale - ricostruire, comprendere e utilizzare la tradizione latina. E' vero che Bisanzio ci riconsegna per intero la tradizione dell'icona coi suoi canoni (alla luce del VII Concilio Ecumenico, il II di Nicea), che pur appartiene alla Chiesa indivisa; però - anzi, proprio per questo - credo sia giusto vivere l'iconografia da occidentali senza perdere nulla del buono/bello della nostra tradizione.
Con questo voglio giustificare il mio uso di questo termine, e ringrazio Fabio Leone per il suo commento.

Tornando all'icona dell'Angelo Custode che sto scrivendo, voglio mostrare come col Plaka ho realizzato quindi l'aureola, proprio a partire dal modello dell'icona a sbalzo del Tesoro di San Marco.

Inizialmente una serie di rombi intervallati da dei quadrati più grossi.

Sette quadrati (rimando simbolico al numero della perfezione del creato; due sono coperti) e ancora otto rombi fra un quadrato e l'altro (simbolo dell'ottavo giorno), eccetto nelle due file che si congiungono al contorno della figura. L'originale ha otto rombi solo nelle due file più in alto, nove in tutte le altre: credo sia per un motivo di spazio, forse anche solo estetico; io ho fatto in modo che prevalesse l'otto per sottolineare questo simbolismo, e ne ho lasciati nove in basso, stavolta sì, per un motivo puramente formale. Altrimenti avrei avuto due quadrati grossi proprio vicino ai capelli e secondo me ciò avrebbe rotto l'armonia, altrettanto importante così come il dato simbolico.

Quindi un altro giro di triangoli per completare gli archi della ciconferenza.

Ottengo un effetto ricamato che sarà completato dai colori e da una fine (si spera!) bulinatura. Notate anche che col Plaka ho segnato il bastone, che passa esattamente sopra la decorazione del nimbo.

Ancora col Plaka

2009-03-23T18:55:00.006+01:00

Riguardo al Plaka bianco, due post fa avevo dimenticato di mettere le foto del lavoro sui bordi dell'icona. Per cui, pennello di scoiattolo alla mano, iniziamo!

Il movimento deve essere deciso, sicuro, in modo da andare dritti senza invadere la campitura dorata.

Ci si può aiutare facendo scorrere l'anulare e il mignolo contro il bordo della tavola.
Una volta io usavo il pennello sottile di martora dando piccole pennellate a filo con l'incisione del bordo, e guai se oltrepassavo la linea; ero sempre lì a grattare l'eccesso delle sbavature (quando asciugava) con uno stuzzicadenti! Adesso però, per queste icone medio piccole uso il metodo "pittorico" di tirare una sola pennellata, magari facendo più volte il giro dei quattro lati una volta asciutto.

Comunque questa è l'icona, una volta finito il lavoro; con lo stesso Plaka ora ho da fare l'aureola... con pazienza, a tra qualche giorno!

Uno strano periodo

2009-03-20T15:09:00.005+01:00

La carenza di lavoro continua, eppure sono attivissimo, tanto che mi sono dovuto pure costruire un tavolino per poter lavorare meglio.

E stata un'idea geniale, devo ammetterlo, che mi risolve un sacco di problemi!
Ma, caspita, polvere... polvere dappertutto!!!

Oltre all'Angelo custode (che al momento è fermo in attesa di studi e bozzetti su volto e schiarimenti delle vesti che non mi decido ad iniziare) Giancarlo mi ha affidato alcune tavole da portare avanti: due croci, una da gessare, l'altra solo da lucidare, i retri di queste e di un'altra piccola e il disegno e doratura al bolo di un piccolo crocifisso sul modello di Cimabue (quello di San Domenico ad Arezzo).

Naturalmente ne ho approfittato e ho messo avanti anche il gesso di tutta una serie di tavole e tavolette per studi, prove e piccoli quadretti. Ecco a che mi serve il tavolino! Vedete la gambina che sporge, sulla sinistra in basso?
Insomma, un periodo strano questo, perché anche se senza esagerare, l'iconografia rientra prepotentemente nel mio lavoro giornaliero... Non è solo una cosa tecnica, anche se per ora è questo ciò che presento qui, in queste pagine; c'è di più, ma ne parlerò più avanti.

Rifinitura dei bordi

2009-03-17T12:06:00.006+01:00

Finita la doratura e asciugata la vernice, ci troviamo un oro tutto sfrangiato ed abbondante verso l'interno della figura. Ecco allora ch si procederà con un bisturi, pazienza e precisione a rifilare tutto al di qua delle incisioni di contorno.

Dice il mio maestro Giancarlo Pellegrini, parole a sua volta trasmesse dai suoi maestri: "Nell'iconografia sono fondamentali tre cose, le famose '3 P'. Esse sono la Pazienza, la Pazienza e la Pazienza!"

Generalmente questa operazione si dovrebbe fare prima della vernice, ma in questo caso, avendo applicato un oro a decalco, preferisco fare tutto a vernice ultimata. Non che questo tipo di doratura sia debole (si dovrebbe pure poter bulinare, cosa che con la normale doratura a missione non si può fare), ma non si sa mai.

Finito tutto ciò entra in scena il Plaka bianco. Cos'è?
E' un colore a base di caseina, confezionato, piuttosto diffuso in area tedesca, ma non irreperibile anche da noi. Quello che vedete qui lo comprai a Milano, da Pellegrini in via Brera (un omonimo del mio maestro, ma non è parente!), nel lontano 2001, che sta durando ancora adesso!

Basta mescolare, perché decanta un bel po'. Alla Gmg di Colonia del 2005 ne ho comprate due boccette della Pelikan (una marca famosa anche da noi); e l'estate scorsa, un un supermercato di San Candido/Innichen, l'ho visto sugli scaffali e anche lì ho fatto rifornimento. Saranno 3 o 4 euro a boccetta (non mi ricordo!!!), comunque ne vale la pena. Esiste di vari colori: quelli che possono essere utili a chi fa le icone sono il nero e il rosso (vermiglione, ma anche altri). Poi spiegherò perché.

C'è anche chi non lo usa, però io mi trovo bene: lo diluisco abbastanza e lo stendo in più mani in modo da coprire le macchie dell'oro e gli sbavi della vernice, cioè laddove il colore potrebbe non attaccarsi bene.

Se il Plaka è troppo denso non va bene, poiché anche lì la tempera fatica ad "aggrapparsi". Per questo è meglio stenderlo diluito, anche se ciò significa darlo più volte.

Chi non lo usa, a quanto ne so, stende una pellicola trasparente adesiva - che si vende in mesticheria - su tutti i contorni della figura prima ancora di stendere il bolo, così né questo, né l'oro, né la vernice finale, macchiano il gesso. Il problema però è la fatica di dover tagliare col bisturi la forma, in modo che sia esattamente a filo (ci vuol tempo ed una mano molto precisa); inoltre, a lavoro finito, quando cioé si rimuove la plastica, tra bolo, oro e vernici, si viene a creare uno scalino che può essere sgradevole. E' anche vero però che la pittura a sua volta crea spessore, quindi lo scalino si viene a colmare.
Io comunque continuo a preferire il buon vecchio Plaka. La prossima volta vi mostro cosa si fa ancora con questo fantastico colore!

Oro a decalco

2009-03-13T14:57:00.007+01:00

Quando la vernice è asciutta, dopo dodici ore, è finalmente il momento di dorare. Prendiamo la missione a 12 ore, e in un vasetto la mescoliamo ad acquaragia (white spirit) in un rapporto 1 : 1, mescolando bene. Oppure, un altro modo è anche 2/3 di missione con 1/3 di acquaragia (ma utilizzando la missione Lefranc, che io non ho...).
Si dà allora una mano abbastanza liquida (senza tirare troppo le pennellate) su tutto il bolo, ovvero su tutta la parte verniciata.

Si aspettano 15 - 20 minuti, al termine dei quali, con un batuffolo di cotone asciutto, togliamo la missione. Sembra una cavolata, ma il concetto è che l'acquaragia che diluisce la missione ammorbidisce lo strato di vernice sottostante, per cui passando con vigore il cotone (senza timore, si strofini forte, se no il cotone lascia i pelucchi!), creiamo un tutt'uno "colloso". Naturalmente è bene tirare - per ogni movimento che si fa col batuffolo - verso un'unica direzione, sollevando il batuffolo ogni volta che si torna indietro e sostituendolo ogni 20/30 cm quadrati.

Aspettiamo due ore (ancora una volta curiamo che non ci vada sopra della polvere!) e, stavolta con un unico batuffolo, ripassiamo tutto quanto per "lucidare" e uniformare la superficie. A questo punto ha inizio la doratura vera e propria, con le fogle di oro a decalco: può essere molto utile tagliarle con le forbici ben sgrassate (con trielina - o il surrogato che vendono adesso, visto che la trielina adesso è vietata - se no l'oro si può attaccare alle forbici) e dare alle foglie d'oro la forma più indicata allo spazio sul quale andrà posta.

Così, visto? Foglie allungate per lo spazio allungato del bordo, quadratini, tiangoli o grandi rettangoli, a seconda...

Si appoggia la carta con un gesto deciso e col dito si "carezza" perché l'oro aderisca meglio.

Pian piano, tutto quanto, senza fretta.

Iniziamente sembra un po' come se il fondo fosse ricoperto da stagnola...

Ma poi, col pennello morbido, quello di scoiattolo, si ripassa delicatamente su tutto, e le parti "svolazzanti" non incollate si tolgono, lasciando l'oro liscio e piuttosto lucido.

Così, esattamente dove il cotone è passato per lisciare la missione. Vedete le incisioni dell'aureola che traspaiono?

Naturalmente opacizzazioni o "buchi" sono quasi normali (no, in realtà non dovrebbero esserlo...). Allora si fa così: si alita sulla parte che non convice o che necessita di un'altra pezza d'oro, e si applica nuovamente. A me è successo e ho fatto così come ho descritto, alitando. Purtroppo però la pezza si vedeva (male), per cui ho preferito lasciare così, per evitare di fare di peggio...
Sicuramente c'è modo di fare un lavoro pulito, ma la pulizia del lavoro, per quanto mi sforzi, non è una mia caratteristica; leggo nelle dispense della mia scuola che eventuali rattoppi si possono fare dopo aver verniciato il tutto... ma andiamo con ordine:

Dopo che l'oro è stato pulito con il pennello morbido, si lucida ulteriormente con un cotone pulito, con movimenti circolari delicati; molto delicati, mi raccomando!
Dopo aver aspettato una giornata che la missione sotto l'oro si asciughi, possiamo verniciare con la stessa Tikkutila - o vernice in genere :) - che avevamo steso sopra il bolo, e che naturalmente necessita di 12 ore di asciugatura.

I rattoppi, come dicevo, secondo le dispense in mio possesso, si fanno a doratura ultimata e si riverniciano con la Tikkurila, ma non mi è chiaro se si fanno prima o dopo aver steso la mano di vernice su tutto. Mi informerò.

Doratura: vernice

2009-03-07T18:30:00.007+01:00

Esistono vari tipi di doratura di una tavola gessata: quella a missione, con l'oro a decalco, e quella al bolo, con foglia libera. Entrambe hanno delle variazioni nelle colle che si utilizzano, ma di base si parla sempre di due tecniche.
Il nostro maestro iconografo russo, Aleksandr Stal'nov di San Pietroburgo, ci ha insegnato da qualche anno a questa parte una terza tecnica ibrida, nella quale si utilizza il bolo, ma che si completa con l'oro a decalco. Essa deriva dalla procedura che i doratori russi utilizzano per dorare l'esterno delle cupole delle chiese, applicata alle tavole di legno. Considerando il freddo e le intemperie della Russia, credo che per lo meno qualche garanzia di solidità ce l'abbia...

Per prima cosa avevo bisogno di un luogo in cui si muovesse meno polvere possibile, nel quale tenere l'icona qualche giorno durante i tempi di asciugatura delle vernici. In camera mia - il mio laboratorio - ciò non è possibile: basta rifare il letto la mattina che quintali di polvere si sollevano inesorabilmente. Quale migliore soluzione dunque se non la cantina? Sarà un gran freddo, sarà polverosa di suo, ma nessuno ci cammina. Basta pulire e il gioco è fatto!

Eccomi dunque, si comincia!

I materiali: la tavola su cui è stato steso il bolo, pennelli piatti sintetici morbidi, adatti alla vernice, essenza di petrolio per pulirli (ottima, non credevo, pulisce meglio dell'acquaragia!); acquaragia (white spirit) per diluire la vernice e... la vernice. Quale vernice scegliere? Annoso problema.

Il nostro maestro russo lavora con la vernice Tikkurila, notissima marca finlandese che esporta in tutto il mondo... no non è vero :( la usano solo in quei dintorni... Ai russi arriva perché la Finlandia è ad uno sputo dalla Russia (confina). Che fare allora qui da noi, poveri italiani senza vernici?
Mi ha sempre divertito il dibattito tra di noi sui materiali: "come troviamo la Tikkurila? Come facciamo a farcela mandare dalla Finlandia? Ci costa un sacco, quasi quasi conviene di più andare in Finlandia!" (ho sentito anche questo...) C'è stato qualcuno che nei viaggi che gli iconografi fanno in Russia per pellegrinaggio e visita alle icone, ha riempito la valigia di latte di vernice Tikkurila; e molti dei rimasti a casa a dire: "quando torni me ne dai un vasetto...?".
A proposito, per chi è comunque dell'idea di ordinarla, ecco il sito: www.tikkurila.com (noto adesso che in Germania sembra si venda; forse è più vicina della Finlandia, ma sarebbe comunque meglio informarsi).

Insomma: anche in Italia avremo o no buone vernici?! Si può usare una vernice uretanica diluita ad acquaragia. Non ho nulla di preciso da indicare, però credo che un po' di sana sperimentazione non faccia male. L'importante è che sia una vernice ben liquida, che si stenda bene in modo elastico e fluido, che non lasci bolle o grumi. Visto che l'aspetto finale di questa vernice è quello che prenderà l'oro alla fine, l'importante è che l'effetto sia liscio e lucente. Io ne ho provata una indicata per verniciare le chiglie esterne delle navi. Mi sono trovato bene, ci avevo anche verniciato un mobile per mia madre. Si chiama Ardship, dei Fratelli Raccanello S.p.a.

Quindi, vernice e acquaragia (white spirit) in proporzione 1 : 1, metà vernice, metà diluente, si dà una mano su tutto. ATTENZIONE!!! Non si tralasci di coprire nulla di quello che va dorato, altrimenti alla fine si vedrà uno scalino nell'oro! Si abbondi pure verso l'interno della figura!
Dopo almeno 12 ore di asciugatura senza che la polvere ci si depositi sopra (si cerca! io nonostante tutto non ci sono riuscito), si torna e si ripete l'operazione una seconda volta e si aspettano altre 12 ore almeno. Arrivati a questo punto mi fermo; per la colla vera e propria e la posa dell'oro sarà per il prossimo post!

Doratura: stesura del bolo

2009-03-05T14:32:00.005+01:00

Delle tavole finite di cui avete visto il retro, la più grande è quella su cui sto realizzando un Angelo Custode, unica commissione di questo periodo. Per prima cosa ho tracciato il disegno; quindi ne ho inciso con un bulino i bordi e tutti gli elementi che quando saranno coperti dall'oro voglio rimangano visibili: il bastone che l'angelo regge in mano e i decori dell'aureola.

Per stendere il bolo - composto di terre rossa e gialla, colle varie e (in questo caso) albume d'uovo, il tutto diluito in acqua - ho usato un pennello morbido di scoiattolo col quale ho steso varie mani piuttosto acquarellate.

Avrei dovuto filtrarlo con una calza di nylon, per rimuovere eventuali grumi o sassolini presenti nella colla e nelle terre, ma io l'ho steso tale e quale... Ebbene sì, lo ammetto: io non faccio uso di calze di nylon, per cui non ne possiedo neanche un pezzetto. Ma credo che una spesa del genere inizi a diventare urgente, visto che dorare coi grumi è proprio fastidioso!

Ah, scusate, ecco come è fatto un bulino...

Gommalacca e cera

2009-03-01T22:25:00.007+01:00

Ecco a voi la Kerria Lacca, il simpatico animaletto di cui accennavo, che vive nelle calde foreste fra l'India, il Bangladesh e la Thailandia. Che c'entra, si chiede?

C'entra! La sua secrezione è la gommalacca, sostanza che si trova sotto forma di scaglie e che si diluisce in alcol o acetone. Io uso la diluizione in alcol etilico (quello rosa, 90%) in un rapporto 1 a 20 - ossia 20 g di gommalacca per 100 g di alcol.

La uso per verniciare i retri delle tavole dopo che il colore del mordente mi soddisfa nella sua intensità, ed è asciutto. Attenzione! Se il mordente non fosse asciutto, la gommalacca si opacizzerebbe creando degli aloni bianchi!

La stendo a pennello per tre volte, aspettando ogni volta che asciughi (fa abbastanza presto, essendo diluita ad alcol).

Ogni volta che la vernice è asciutta, usando la parte ruvida di una spugna per lavare i piatti, sfrego tutto il retro con energia finché non si crea della polvere, così da abbassare eventuali gocce e sovrapposizioni del pennello.

Infine, con una cera antitarlo per mobili a base di trementina...

proteggo e lucido tutta la superficie. Per dare la cera uso una pezzuola di lana.

Mordente noce

2009-02-24T12:15:00.005+01:00

In questo periodo sono al lavoro ad alcune tavole; in realtà queste foto si riferiscono al lavoro di qualche settimana fa. Adesso sono già alla doratura della più grande di queste, ma di solito se mi occupo di un aspetto del lavoro - come appunto il retro delle tavole - per motivi pratici e di spazio metto insieme un po' di materiale su cui lavorare, in modo da avere in seguito dei pezzi già pronti preventivamente.

In questo caso il lavoro si è svolto su tre tavole. Chiedo scusa ancora una volta per il disordine sul mio tavolo (magari presto smetterò di farlo), ma come dice il mio amico Tommy "chi ha una scrivania ordinata è perché combina poco".

Per cui, "guanto alla mano", con una spugna intinta nel mordente color noce - ad acqua - coloro tutti i retri, seguendo le venature del legno

...e lascio asciugare bene, prima di dare altre mani. In totale ne stendo tre.

Una volta asciutto, con una carta vetrata 400, liscio il legno togliendo le asperità che le fibre sollevano bagnandosi.
Il prossimo passaggio è la gommalacca, vernice naturale ad alcol prodotta dalla secrezione di un simpatico insetto... ma questo è il prossimo post!